PINTURA RUPESTRE
Una pintura
rupestre es todo dibujo o boceto prehistórico existente en algunas rocas y cavernas. El
término «rupestre» deriva del latín rupestris,
y éste de rupes (roca). De modo que, en un sentido
estricto, rupestre haría referencia a cualquier actividad humana sobre las
paredes de cavernas, covachas, abrigos
rocosos e,
incluso farallones obarrancos,entre otros. Desde este
aspecto, es prácticamente imposible aislar las manifestaciones pictóricas de
otras representaciones del arte prehistórico como los grabados, las
esculturas y los petroglifos,
grabados sobre piedra mediante percusión o erosión. Al estar protegidas de la
erosión por la naturaleza del soporte, las pinturas rupestres han resistido el
pasar de los siglos.
EL ARTE EGIPCIO
El arte egipcio es, indudablemente, la manifestación artística que
más ha subyugado al hombre moderno.
La civilización egipcia no sólo creó una arquitectura, escultura y
pintura de impresionante belleza, sino también toda una cultura que ha hecho
soñar a investigadores, literatos y personas corrientes, donde se funde lo
histórico, lo mítico y lo misterioso.
El arte egipcio es un arte que está muy relacionado con el medio
en el que se desarrolla. Este medio influye en diferentes aspectos: por un lado
el medio geográfico determina una cultura cerrada que hace un arte impermeable
a influencias exteriores, que va a evolucionar poco y cuando lo va a hacer va a
ser sobre sus propias formas debido a la falta de comunicación con el exterior.
Por otro lado, el medio va a determinar unos materiales que nos
indican una despreocupación por la vida terrestre y un deseo de eternizar la
moral del difunto y del dios, por lo que el arte muchas veces está en función
de templos y tumbas. Esto está relacionado con los dos factores determinantes
del arte que también vienen dados por el medio: la monarquía y la religión.
Así, el faraón (y los nobles) y los sacerdotes van a ser
losprincipales clientes. Se trata de un arte aúlico y oficial, que se
desarrolla en virtud de la religión fundamentalmente, y a ésta está vinculado
el faraón. No es por tanto un arte autónomo.
El arte egipcio está siempre sometido a unas normas, por esto es
muy semejante y monótono, tan homogéneo. Es un arte estereotipado en el que se
valora más la precisión del acabado que la originalidad. Además, tienen un gran
carácter simbólico y mágico.
http://www.arteespana.com/arteegipcio.htm
ARTS AND CRAFTS
El movimiento Arts and Crafts ("Artes y Oficios" o también "Artes y Artesanías") 1 fue
una escuela artística que surgió en Inglaterra a mediados del siglo XIX, y que
se desarrolló en el Reino Unido 2 y
en los Estados Unidos 3 durante
la segunda mitad del [siglo XIX] y en los comienzos del siglo XX. William Morris creó este movimiento,
lenguaje o estilo como querais decirlo. Él acuñó el término y fue el miembro de
los prerrafaelistas más interesado en la manualidad, retomar el modo de hacer
de la edad media, huyendo de la revolución industrial. Tuvo una segunda
generación alrededor de 1880 y 1900. 4
Detalle de un dibujo de
William Morris y John Henry Dearle sobre una alfombra Bullerswood, c. 1889. Véase William Morris
Textiles, de Linda Parry, Nueva York, Viking Press, 1983, ISBN 0-670-77074-4, pp. 91-97.
El Arts & Crafts se asocia sobre todo con la
figura de William Morris,5 6 artesano,
impresor, diseñador, escritor, poeta, activista político y, en fin, hombre
polifacético que se ocupó de la recuperación de artes y oficios medievales,
renegando de las nacientes formas de producción en masa. Aparte de William
Morris, sus principales impulsores fueron Charles Robert Ashbee,
T. J. Cobden Sanderson, Walter Crane, Phoebe Anna Traquair, Herbert Tudor
Buckland, Charles Rennie
Mackintosh, Christopher Dresser,
Edwin Lutyens, Ernest Gimson, Gustav Stickley, y los artistas del movimiento prerrafaelita.
El movimiento revalorizó los oficios medievales,
en plena época victoriana,
con lo cual reivindicó la primacía del ser humano sobre la máquina, con la
filosofía de utilizar la tecnología
industrial al servicio
del hombre, pero potenciando
la creatividad y el arte frente a la producción en serie. En lo expresivo
se caracteriza por el uso de líneas serpenteadas y asimétricas, y constituyó
sobre todo unarte decorativo.
El referido se trató de un movimiento estético
reformista, que tuvo gran influencia sobre laarquitectura, las artes decorativas, y las artesanías británicas
y norteamericanas, e incluso influyó en el diseño de jardines.
En los Estados Unidos se usan las denominaciones Arts and Crafts movement, American Craftsman, American Craftsman Style o Craftsman
Style, para referirse al estilo arquitectónico y decorativo que predominó
entre los períodos del Art Nouveau (el modernismo) y el Art Decó, es decir, aproximadamente entre 1910
y 1925. Sostenía que cada objeto debería tener o retomar algo del pasado, pero
dándole un sentido elegante.
http://es.wikipedia.org/wiki/Arts_and_Crafts
LA BAUHAUS
Los antecedentes de la BAUHAUS se remontan al siglo XIX.
Comienzan con las devastadoras consecuencias que la creciente industrialización, primero
en Inglaterra y mas tarde también en Alemania, tuvo en las condiciones de vida
y en la producción de los artesanos la clase obrera.
El progreso tecnológico trajo consigo un cambio en las estructuras sociales, amplios sectores de la población se proletarizaron. Pero, de este modo se pudo racionalizar y abaratar la producción de bienes. Inglaterra se alzó en le siglo XIX como la potencia industrial mas prominente de Europa. En las grandes exposiciones universales, que desde 1851 exhibían los adelantos técnicos y culturales de las naciones, los ingleses estuvieron a la cabeza hasta bien entrados los noventas, siendo los indiscutibles vencedores.
Al
mismo tiempo, los ingleses habían reformado, ya desde los años cincuenta, los
procesos educativos para artesanos las Academias. Los alumnos tenían que
diseñar por si mismos en lugar de copiar modelos dados. Mientras el movimiento
de talleres de "Morris" representaba algo así como una utopía
realizada, fuertes intereses económicos respaldaban la reforma educativa.
Inglaterra quería mantener su liderazgo en el campo de las artes y oficios. En
los años siguientes se fundaron numerosos "gremios de artesanos", que
con frecuencia eran, además de gremios, comunas.
Lograr una cultura del pueblo y para el pueblo se convirtió en aquellos tiempos en el desafío de casi todos los movimientos culturales innovadores y apadrinó también la fundación de la Bauhaus.
Pero hasta la década de los noventa no ganó terreno en Alemania un segundo empuje reformador, importado de Inglaterra a través de Bélgica. Con él se introdujo el JUGENDSTIL (modernismo), que dominaría Europa Durante diez o quince años.
El progreso tecnológico trajo consigo un cambio en las estructuras sociales, amplios sectores de la población se proletarizaron. Pero, de este modo se pudo racionalizar y abaratar la producción de bienes. Inglaterra se alzó en le siglo XIX como la potencia industrial mas prominente de Europa. En las grandes exposiciones universales, que desde 1851 exhibían los adelantos técnicos y culturales de las naciones, los ingleses estuvieron a la cabeza hasta bien entrados los noventas, siendo los indiscutibles vencedores.
Al
mismo tiempo, los ingleses habían reformado, ya desde los años cincuenta, los
procesos educativos para artesanos las Academias. Los alumnos tenían que
diseñar por si mismos en lugar de copiar modelos dados. Mientras el movimiento
de talleres de "Morris" representaba algo así como una utopía
realizada, fuertes intereses económicos respaldaban la reforma educativa.
Inglaterra quería mantener su liderazgo en el campo de las artes y oficios. En
los años siguientes se fundaron numerosos "gremios de artesanos", que
con frecuencia eran, además de gremios, comunas.Lograr una cultura del pueblo y para el pueblo se convirtió en aquellos tiempos en el desafío de casi todos los movimientos culturales innovadores y apadrinó también la fundación de la Bauhaus.
Pero hasta la década de los noventa no ganó terreno en Alemania un segundo empuje reformador, importado de Inglaterra a través de Bélgica. Con él se introdujo el JUGENDSTIL (modernismo), que dominaría Europa Durante diez o quince años.
http://www.sitographics.com/conceptos/temas/estilos/bauhaus.html
Vasíli o Wassily
Kandinsky
Vasíli o Wassily
Kandinsky; Moscú, Rusia, 1866 - Neuilly-sur-Seine, 1944) Pintor de origen ruso,
nacionalizado alemán y posteriormente francés. Kandinsky compaginó sus estudios
de derecho y economía con clases de dibujo y pintura. Al tiempo que se
interesaba por la cultura primitiva y las manifestaciones artísticas populares
rusas, muy especialmente por el arte propio de la región de Volodga, rico en
ornamentos, también descubrió la obra de Rembrandt y Monet.
Cuando cumplió los
treinta años, Kandinsky abandonó la docencia y fue a estudiar pintura a Munich,
renunciando a un porvenir académico ya consolidado. En esta ciudad asistió a
las clases de F. Stuck y en ellas conoció a Paul Klee, con el que mantendría
una sincera y prolongada amistad. Su interés por el color está presente desde
el comienzo de su carrera, y se puede apreciar en sus primeras pinturas la influencia
del postimpresionismo, el fauvismo y el Jugendstil alemán.
Entre 1902 y 1907 Kandinsky realizó diferentes viajes a Francia, Países Bajos, Túnez, Italia y Rusia, para instalarse finalmente en Murnau, donde pintó una serie de paisajes alpinos entre los años 1908 y 1910. Tal como narra él mismo en su biografía, por entonces se dio cuenta de que la representación del objeto en sus pinturas era secundaria e incluso perjudicial y que la belleza de sus obras residía en la riqueza cromática y la simplificación formal.
Este descubrimiento le
condujo a una experimentación continuada que culminó, a finales de 1910, con la
conquista definitiva de la abstracción. Kandinsky refundió la libertad
cromática de los fauvistas con la exteriorización del impulso vivencial del
artista propuesto por los expresionistas alemanes de la órbita de Dresde, en
una especie de síntesis teñida de lirismo, espiritualidad y una profunda
fascinación por la naturaleza y sus formas.
Entre 1910 y 1914
Kandinsky pintó numerosas obras que agrupó en tres categorías: las impresiones,
inspiradas en la naturaleza; las improvisaciones, expresión de emociones
interiores; y las composiciones, que aunaban lo intuitivo con el más exigente
rigor compositivo. Estos cuadros se caracterizan por la articulación de gruesas
líneas negras con vivos colores y en ellos se percibe todavía un poco la
presencia de la realidad.
Ludwig Mies van der Roh
e nació el 27 de marzo de 1886 en la ciudad de
Aquisgrán (Alemania), hijo de Michael y Amalie (Rohe), como cuarto hijo de una
familia católica. En 1900 empezó a trabajar en el taller de escultura de
piedras de su padre y en 1905 se trasladó a Berlín para
colaborar en el estudio de arquitectura de Bruno Paul.
En 1907 realiza su primera obra, la casa Riehl.
De 1908 a 1911 trabajó en el despacho de Peter Behrens, del cual, Mies desarrolló un
estilo arquitectónico basado en técnicas estructurales avanzadas y en el
clasicismo prusiano. También realizó diseños innovadores con acero y
vidrio. En 1911 dirigió la construcción de la embajada alemana en San Petersburgo. En ese mismo año se mudó a La Haya y
planificó una casa de campo para el matrimonio Kröller-Müller.
m.c. escher
No fue precisamente un estudiante brillante, y
sólo llegó a destacar en las clases de dibujo. En 1919 y bajo presión paterna empieza los
estudios de arquitectura en la Escuela de Arquitectura y Artes Decorativas de Haarlem, estudios que abandonó poco después
para pasar como discípulo de un profesor de artes gráficas, Jessurum de
Mesquitas. Adquirió unos buenos conocimientos básicos de dibujo, y destacó
sobremanera en la técnica de grabado en madera, la cual llegó a dominar con gran
maestría.
Entre 1922 y 1935 se traslada a Italia donde
realiza diversos bocetos y grabados principalmente de temas paisajistas.
Abandona Italia debido al clima político de aquellas fechas, trasladándose a Suiza,
y pasó algunos años allí, cuyo clima le resultó muy desagradable y poco
inspirador. Añora el sur de Italia y lo
frecuenta repetidas veces. También viaja a España, y en particular a Granada. Visita
dos veces la Alhambra, la segunda vez de forma más
detenida, copiando numerosos motivos ornamentales. Lo que aprendió allí tendría
fuertes influencias en muchos de sus trabajos, especialmente en los
relacionados con la partición regular del plano y el uso de patrones que
rellenan el espacio sin dejar ningún hueco.
En 1941 se muda a Ladberd
del Roso, Países Bajos, después de una estancia difícil en Bélgica (era
la 2ª Guerra Mundial).
Parece que debido al habitual mal tiempo de esa región, donde los días soleados
se consideran una bendición, es por lo que abandona los motivos paisajísticos
como modelos y se centra más en su propia mente, encontrando en ella una
potentísima fuente de inspiración. Hasta 1951 vivió básicamente dependiendo
económicamente de sus padres. A partir de entonces fue cuando comenzó a vender
sus grabados y obtener un buen dinero por ellos. Esto le permitió vivir sus
últimos años con una economía personal excelente. Generalmente hacía copias de
las litografías y grabados por encargo. También hizo por encargo diseños de
sellos, portadas de libros, y algunas esculturas en marfil y madera. En cierto
modo le resulta gratificante y a la vez fácil, y se admiraba de tener en su
taller una especie de «máquina de fabricar billetes» reproduciendo sus propias
obras. Normalmente no usaba elementos de obras anteriores en las nuevas,
excepto en los encargos especiales. Hacía, por ejemplo, esculturas en madera
basadas en algunos de sus dibujos, y para algunas peticiones especiales
reciclaba parte de las ideas y elementos de obras anteriores.Quizás por ello en
este período su producción sea tan fructífera y regular, y sólo se verá
interrumpida por la operación que sufrió en 1962,
consecuencia de su debilitada salud. En 1969 con 71 años realiza su grabado
"Serpientes" donde demuestra sus facultades a pesar de su avanzada
edad.
En 1970 se traslada a la Casa Rosa Spier de
Laren, al norte de los Países Bajos, donde los artistas podían tener estudio
propio. En esa ciudad fallece dos años más tarde, el 27 de marzo de 1972 a la edad de 74 años.
Paul klee
Klee nació en Münchenbuchsee, cerca de Berna, Suiza,
en una familia de músicos, de padre alemán y madre suiza. De su
padre obtuvo la ciudadanía alemana, que usaría toda su vida, dado que Suiza se
negó a darle ciudadanía durante su exilio en ese país durante la persecución nazi.
Estudió arte en Múnich con Heinrich
Knirr y Franz von Stuck. A sus diecisiete años pintó
la tinta "Mi Habitación" (1896), mostrada a continuación:
Esta Pieza se conserva ahora en el acervo de la fundación
Klee
Klee trabajaba en óleo, acuarela, tinta y otros materiales, generalmente
combinándolos en un solo trabajo. Sus cuadros frecuentemente
aluden a la poesía, la música y
los sueños, y a veces incluyen palabras o notas musicales.
Al regresar de un viaje a Italia, se asentó en Múnich, donde conoció a Vasili Kandinski, Franz Marc y
otras figuras de vanguardia, y se asoció alBlaue Reiter.
Piet Mondrian
Pintor
holandés que llevó el arte abstracto hasta sus últimas consecuencias. Por medio
de una simplificación radical, tanto en la composición como en el colorido,
intentaba exponer los principios básicos que subyacen a la apariencia. Nació en
Amersfoort (Holanda) el 7 de marzo de 1872 y su nombre verdadero era Pieter
Cornelis Mondriaan. Decidió emprender la carrera artística a pesar de la
oposición familiar y estudió en la Academia de Bellas Artes de Amsterdam. Sus
primeras obras, hasta 1907, eran paisajes serenos, pintados en grises
delicados, malvas y verdes oscuros. En 1908, bajo la influencia del pintor
neerlandés Jan Toorop, comenzó a experimentar con colores más brillantes, fue
el punto de partida de sus intentos por trascender la naturaleza. Se trasladó a
París en 1911, donde adoptó el estilo cubista y realizó series analíticas como
Árboles (1912-1913) y Andamios (1912-1914). Poco a poco se fue alejando del
seminaturalismo para internarse en la abstracción y llegar por fin a un estilo
en el que se autolimitó a pintar con finos trazos verticales y horizontales. En
1917 junto con su compatriota, el pintor Theo van Doesburg fundó la revista De
Stijl, en la que Mondrian desarrolló su teoría sobre las nuevas formas
artísticas que denominó neoplasticismo. Sostenía que el arte no debía
implicarse en la reproducción de imágenes de objetos reales, sino expresar
únicamente lo absoluto y universal que se oculta tras la realidad. Rechazaba
las cualidades sensoriales de textura, superficie y color y redujo su paleta a
los colores primarios. Su creencia de que un lienzo, es decir una superficie
plana, sólo debe contener elementos planos, implicaba la eliminación de toda
línea curva y admitió únicamente las líneas rectas y los ángulos rectos. La
aplicación de sus teorías le condujo a realizar obras como Composición en rojo,
amarillo y azul (1921, Gemeentemuseum), en la que la pintura, compuesta sólo
por unas cuantas líneas y algunos bloques de color bien equilibrados, crea un
efecto monumental a pesar de la escasez de los medios, voluntariamente
limitados, que emplea. Cuando se trasladó a Nueva York en 1940, su estilo había
logrado una mayor libertad y un ritmo más vivo. Abandonó la severidad de las
líneas en negro para yuxtaponer áreas de colores brillantes, como puede verse
claramente en la última obra que dejó acabada, Broadway Boogie-Woogie
(1942-1943, Museo de Arte Moderno, Nueva York, MOMA). Mondrian ha sido uno de
los artistas de mayor repercusión en el siglo XX. Sus teorías sobre la
abstracción y la simplicidad no sólo alteraron el curso de la pintura, sino que
tuvieron una profunda influencia en la arquitectura, el diseño industrial y las
artes gráficas. Murió el 1 de febrero de 1944 en Nueva York.
Raymond Loewy
Loewy, nació en París en 1893, hijo de
Maximiliano Loewy, periodista vienés, y su esposa francesa, Marie Labalme. Un logro temprano fue el diseño de un
exitoso modelo de avión , que luego ganó la Gordon Bennett Copa en 1908. Al año siguiente, fue la venta del
avión, llamado el Ayrel . Sirvió en el ejército francés durante la Primera
Guerra Mundial, alcanzando el rango de capitán. Loewy fue herido en combate y
recibió la Cruz de
Guerra .Abordó un
barco a América en 1919 con sólo su uniforme de oficial francés y $ 50 en el
bolsillo. [ cita requerida ]
En los primeros años Loewy en los EE.UU., vivió
en Nueva York y encontró trabajo como diseñador de ventana para grandes almacenes , incluyendoMacy , de Wanamaker y Saks ,
además de trabajar como una moda ilustrador para
la revista Vogue y Harpers Bazaar . En
1929 recibió su primer diseño industrial comisión para contemporizar el aspecto
de una máquina duplicadora de Gestetner . Otras comisiones siguieron, incluyendo
el trabajo para Westinghouse , la empresa Hupp Motor (el Hupmobile estilo),
y el estilo del refrigerador Coldspot [ 2 ] para Sears-Roebuck . Era
este producto que estableció su reputación como diseñador industrial. Abrió una oficina en Londres a
mediados de la década de 1930. Sigue
siendo activa. [ 3 ]
Saul Bass (8 de mayo de 1920 - 25 de abril de 1996)
fue un
reconocido diseñador gráfico estadounidense, mejor conocido por su
trabajo en la industria cinematográfica y en el diseño de algunas de las
identidades corporativas más importantes de Estados Unidos.
Saul Bass nació en el Bronx,
en 1920. Desde pequeño fue muy creativo y pasaba muchas horas del día
dibujando. Bass estudió en el estudio de Artes League en Nueva York y después
en el Colegio de Brooklyn. En éste último fue su maestro Gyorgy
Kepes, un diseñador gráfico húngaro que había trabajado con László Moholy-Nagy en Berlín antes
de emigrar a los Estados Unidos. Kepes fue el que introdujo a
Saul Bass al estilo Bauhaus de Moholy y al constructivismo ruso.
Después de trabajar en varias agencias de diseño
de Nueva York, Bass trabajó de forma
independiente como diseñador gráfico (o “artista comercial” como comúnmente se
les llamaba). Decidió mudarse a Los Ángeles en 1946,
debido a que en Nueva York encontraba muchos impedimentos para desarrollarse
creativamente. Abrió su propio estudio en 1950, dedicado principalmente a la
publicidad, hasta que Otto Preminger lo invitó a diseñar el póster para su
película Carmen Jones (1954).
A éste le impresionó tanto el trabajo de Bass, que le pidió que diseñara también
la secuencia de los títulos de la película. Luego siguió el diseño de títulos
de las películas The Big Knife de Robert Aldrich y The Seven Year Itch (La Tentación Vive Arriba) de
Billy Wilder. Pero fue en el siguiente proyecto de Preminger, The Man with the Golden Arm (El Hombre del Brazo de Oro),
en donde Bass se reveló como un maestro del diseño de títulos de crédito de
películas.
Bass siguió su camino en el mundo del diseño en
el cine. Martin Scorsese lo reconocía ampliamente. Colaboró con Alfred Hitchcock y hasta participó en la famosa
película Psicosis durante
la escena de la ducha, de la que se dice que él fue el responsable del Story
board, aunque Hitchcock nunca lo reconoció. Junto con su segunda esposa,
Elaine, diseñó títulos para otros directores. Luego dirigió varios
cortometrajes, como The
Searching Eye (1964), From
Here to There (1964) y Why Man
Creates (1968) con la
que ganó un Óscar. Finalmente realizó una película como director en 1974,
llamada Phase IV.
Después regresó al diseño gráfico comercial.
Entre los más exitosos están los emblemas de AT&T, United Airlines, Minolta, Bell,
y Warner Communications.
Diseñó también el póster para los Juegos Olímpicos de Los Ángeles en 1984.
Hasta el final de su vida siguió colaborando con
su ídolo Martin Scorsese en Goodfellas, Cape Fear (El
Cabo del Miedo), The Age of Innocence (La Edad de la Inocencia) y Casino en los años 90.
Saul Bass falleció en 1996.
es.wikipedia.org/wiki/Saul_Bass
Reid Miles
Desde 1939, año en el que un joven diseñador de 23 años creara
la primera portada ilustrada para Columbia, la industria discográfica se dio
cuenta de la importancia de cada aspecto de un disco. Desde la música hasta el
packaging, pasando por la fotografía y el diseño de portadas, cualquier detalle
por más nimio que fuese, iba a ser crucial si un sello quería tener éxito. La
repercusión tuvo tal respuesta entre el público que todos los sellos
discográficos empezaron a contratar diseñadores gráficos, fotógrafos y
directores de arte.
Posiblemente el más influyente e innovador de todos fue el
principal responsable del diseño de Blue Note entre 1956 y 1967: Reid Miles.
Igual que Miles Davis redefinió el estilo musical de la música jazz, Reid Miles
tiene el honor de haber creado una nueva perspectiva en el diseño con un
trabajo tan estilizado y reconocible como el mismísimo timbre de la trompeta de
Davis o la inconfundible voz de Billie Holiday. El uso de bitonos, el
reencuadre, la selección y manipulación fotográfica (durante tiempo junto a
Francis Wolff) y sobre todo la inagotable creatividad tipográfica conviertieron
a Reid en un adelantado a su tiempo. Con la venta de Blue Note en 1971, Miles se retiró del diseño gráfico para
comenzar una nueva carrera de fotógrafo en Los Ángeles; una carrera que le
acompañaría hasta su muerte en 1993.
Acompaño la siguiente recopilación de sus trabajos con el vídeo
homenaje que el director Bante rindió al maestro animando algunos de sus
sorprendentes, simples y atemporales diseños.
retroriff.com/blog/reid-miles/
Tony Galindo
nació el 21 de marzo de 1962. Fue autor
de carteles para promocionar películas y para
grandes festivales cinematográficos. Falleció en Barcelona ayer jueves 11 de
mayo.No se puede entender la imagen del cine español de los últimos diez años
sin Toni Galindo, diseñador gráfico que ayer fallecía en Barcelona a la edad de
44 años. Bajo la firma de Art&Maña, nombre de la empresa que regentaba junto
a su compañera Ana Obradors, Toni diseñó la imagen gráfica de grandes éxitos
como Mar Adentro, La Gran Aventura de Mortadelo y Filemón o Los Otros. En su faceta como autor de carteles
para festivales de cine diseñó para Sitges, Semana de Cine Fantástico y de
Terror de San Sebastián, Gijón o Manresa. Entre 1996 y 2001 se encargó de la
imagen del Festival Internacional de Cine de San Sebastián (diseños con los que
obtuvo dos premios Key Art, galardones que otorga la revista Hollywood
Reporter); la extraña
casualidad ha querido que precisamente hoy se presente el cartel de la próxima
edición de dicho Festival, también firmado por Art&Maña.
Toni Galindo, dibujante autodidacta, era
licenciado en Ciencias de la Información, primero en la especialidad de Periodismo
y después en la de Publicidad, aunque nunca dejó de lado su interés por otras
artes como la escultura o el cómic. Tras colaborar como dibujante en el diarioRegió7 trabajó
como diseñador freelance, también de forma autodidacta, para
varias empresas. Tiempo después decide instalarse junto a Anna Obradors en
Donostia; allí entran en contacto con el mundo del cine, primero con
realizadores noveles como Santiago Segura, Alex de la Iglesia o Daniel Monzón,
y después con diversos organismos e instituciones. Tras la firma de los
carteles de La lengua asesina o Airbag, Art&Maña
comienza a expandir sus actividades a toda la imagen comunicativa de una
película: logotipos, carteles, pressbooks
[puntual publicación sobre una película que se
edita para informar a la prensa], páginas web, regalos promocionales o
cualquier soporte utilizado para anunciar y difundir un largometraje.
Directores como Montxo Armendáriz, con quien trabajó en tres títulos, Alejandro
Amenábar, Javier Fesser o Julio Médem saben del buen hacer de Art&Maña.
En un mundo, el del cine, en el que la expresión
"lo quiero para ayer" no es una forma de hablar, Toni Galindo era
todo un lujo. No sólo hacía gala de una extraordinaria capacidad de trabajar a
toda máquina, sino que siempre lo hacía bien y sin perder la sonrisa. Como buen
miembro de la generación pop nacida en los 60, era todo un experto en diversa
temática freak: consolas
de videojuegos, Star Trek, Monty Python o La Hora Chanante.-
Se cree que nació en Yate,
localidad cercana a Bristol, en 1974,
pero los datos acerca de su identidad son inciertos y se desconocen detalles de
su biografía. Según Tristan
Manco, Banksy "nació en 1974 y creció en Bristol, Inglaterra.
Hijo de un técnico de fotocopiadoras, se formó como carnicero pero se vio
implicado en el graffiti durante el boom del aerosol en Bristol de finales de
la década de 1980". Su trabajo, en su gran mayoría piezas satíricas sobre política, cultura pop, moralidad y etnias, combina escritura con
graffiti con el uso de estarcidos con plantilla(conocidos generalmente como stencils,
del inglés). Su arte urbano combina escritura con una técnica de estarcido muy
distintiva, similar aBlek le Rat, quien
empezó a trabajar con estarcidos en 1981 en París; y miembros de la banda de
anarco-punk Crass,
que mantuvieron una campaña en las instalaciones del metro de Londres a finales
de la década de los setenta del siglo XX e inicios de los ochenta. Banksy
reconoció la influencia de Blek diciendo "cada vez que creo que he pintado
algo ligeramente original, me doy cuenta de que Blek le Rat lo hizo mejor, sólo
que veinte años antes."1 Sus obras se han hecho populares al
ser visibles en varias ciudades del mundo, especialmente en Londres.
Recientemente se publicó el libro “Freedom Through Football: The Story Of The Easton
Cowboys & Cowgirls” en
donde se confirma la primera fotografía tomada a Banksy mientras realizaba un
graffiti en Chiapas, México en 2001.
MARIA GARCIA VALLAURE 4º D
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