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Apuntes diseño gráfico

Tipo de diseño cuya función es comunicar mensajes visuales a través de diferentes soportes (libros, revistas, portadas de discos, diseño de envases, cualquier tipo de publicidad, imágenes corporativas, carteles, marcas comerciales etc ) y medios de comunicación de masas (televisión, cine, prensa, internet, etc)
Sus características son :

 - Uso de módulos básicos

 - Repetición como ritmo hasta el infinito

 - Geometría o/y formas orgánicas

 - Uso inteligente del color

 - Crear una composición

 - Elección de las fuentes más adecuadas

Antecedentes del diseño gráfico son el Arte Rupestre y el Arte Egipcio

Arte Rupestre

Se conoce como arte rupestre a los rastros de actividad humana o imágenes que han sido grabadas o pintadas sobre superficies rocosas.

En su paso por el mundo, el hombre ha dejado plasmadas en cuevas, piedras y paredes rocosas, innumerables representaciones de animales, plantas u objetos; escenas de la vida cotidiana, signos y figuraciones geométricas, etc., obras consideradas entre las más antiguas manifestaciones de su destreza y pensamiento. Antes del desarrollo de la escritura, las sociedades humanas posiblemente registraban ya, mediante la pintura y el grabado en piedras, una gran parte de sus vivencias, pensamientos y creencias.

Expresadas de una manera muy sintética, estas manifestaciones son el reflejo de la capacidad intelectual de la humanidad para abstraer y representar su realidad.

Su denominación como “arte” no significa que se trate de objetos artísticos en los términos y con las finalidades con que hoy los entendemos desde nuestra cultura occidental. Ésta es sólo una más de las formas como se ha intentado definir su significado. Lo “rupestre” hace referencia al soporte en que se encuentra (del latín rupe: roca). Quizás sea más indicado el término manifestaciones rupestres, pues la palabra “arte” implica darle un sentido que no necesariamente coincide con el que le dieron sus ejecutores.

Arte egipcio

El arte egipcio es, indudablemente, la manifestación artística que más ha subyugado al hombre moderno.

La civilización egipcia no sólo creó una arquitectura, escultura y pintura de impresionante belleza, sino también toda una cultura que ha hecho soñar a investigadores, literatos y personas corrientes, donde se funde lo histórico, lo mítico y lo misterioso.

El arte egipcio es un arte que está muy relacionado con el medio en el que se desarrolla. Este medio influye en diferentes aspectos: por un lado el medio geográfico determina una cultura cerrada que hace un arte impermeable a influencias exteriores, que va a evolucionar poco y cuando lo va a hacer va a ser sobre sus propias formas debido a la falta de comunicación con el exterior.

Arts and Crafts

Movimiento artístico de finales del S. XII, nace en Inglaterra y se extiende a principios del S. XX por todo  EE.UU
- William Morris (Clay Hill Walthamstow, Inglaterra, 24 de marzo de 1834 - 3 de octubre de 1896) fue un artesano, impresor, poeta, escritor, activista político, pintor y diseñador británico, fundador del movimiento Arts and Crafts., insta la recuperación de los oficios medievales; ebanista, vidriera, joyero, etc.
- Es un movimiento contracultural
- El movimiento revindicó los oficios medievales en plena época victoriana, revindicando así la primorcia del ser humando sobre la máquina y siendo un movimiento en principio contracultural. Oponía la creatividad y el arte a la producción en serie. Se caracteriza por el uso de la producción en serie. Se caracteriza por el uso de líneas serpeadas y asimétricas sobre todo un arte decorativo.

Se trató de  un movimiento estético reformista que tuvo gran influencia en la arquitectura, las artes decorativas y las artesanías británicas y norteamericanas e incluso en el diseño de jardines.
 Bases del diseño gráfico
 - Arts and Crafts = Modernismo (del cual sale el Art Decó )

Uno de los cartelistas más importantes de todos los tiempos es Heuri de Toulousse-Lautrec Henri Marie Raymond de Toulouse-Lautrec (Albi, 24 de noviembre de 1864 - Saint-André-du-Bois, 9 de septiembre de 1901), conocido simplemente como Toulouse Lautrec, fue un pintor y cartelista francés que se destacó por su representación de la vida nocturna parisiense de finales del siglo XIX. Se le enmarca en la generación del posimpresionísmo. Su infancia fue feliz a pesar de que padeció una enfermedad que afectaba al desarrollo de los huesos y que comenzó a manifestarse en él en 1874. Su constitución ósea era débil y entre mayo de 1878 y agosto de 1879 sufrió dos fracturas en los fémures de ambas piernas, que le impidieron crecer más, alcanzando una altura de 1,52 m.
Entre sus obras podemos destacar:

·                     Autorretrato ante el espejo (óleo sobre cartón, 1880).

·                     Lacayo de caballerías con dos caballos (óleo sobre cartón, 1880).

·                     El Conde Alphonse de Toulouse-Lautrec conduce su coche de cuatro caballos (óleo sobre tela, 1881).

·                     El inglés en el Moulin Rouge (óleo y gouache sobre cartón, 1892).

 La Bauhaus

- La Staatliche Bauhaus (Casa de la Construcción Estatal) o simplemente la Bauhaus, fue la escuela de artesanía, diseño, arte y arquitectura fundada en 1919 por Walter Gropius en Weimar (Alemania) y cerrada por las autoridades prusianas (en manos del partido nazi) en el año 1933. El nombre Bauhaus deriva de la unión de las palabras en alemán Bau que conlleva el trash, "de la construcción", y Haus.|., "casa"; irónicamente, a pesar de su nombre y del hecho de que su fundador fue un arquitecto, la Bauhaus no tuvo un departamento de arquitectura en los primeros años de su existencia.

Sus propuestas y declaraciones de intenciones participaban de la idea de una necesaria reforma de las enseñanzas artísticas como base para una consiguiente transformación de la sociedad burguesa de la época, de acuerdo con el pensamiento socialista de su fundador. La primera fase (1919-1923) fue idealista y romántica, la segunda (1923-1925) mucho más racionalista y en la tercera (1925-1929) alcanzó su mayor reconocimiento, coincidiendo con su traslado de Weimar a Dessau. En 1930, bajo la dirección de Mies van der Rohe, se trasladó a Berlín donde cambió por completo la orientación de su programa de enseñanza.

-         La Bauhaus sentó las bases normativas y patrones de lo que hoy conocemos como diseño industrial y gráfico; puede decirse que antes de la existencia de la Bauhaus estas dos profesiones no existían tal cual y fueron concebidas dentro de esta escuela. Sin duda la escuela estableció los fundamentos académicos sobre los cuales se basaría en gran medida una de las tendencias más predominantes de la nueva Arquitectura Moderna, incorporando una nueva estética que abarcaría todos los ámbitos de la vida cotidiana: desde la silla en la que usted se sienta hasta la página que está leyendo (Heinrich von Eckardt). Dada su importancia las obras de la Bauhaus en Weimar y Dessau fueron declaradas como Patrimonio de la Humanidad por la Unesco en el año 1996. Uno de los principios establecidos por la Bauhaus desde su fundación es "La forma sigue a la función".
La fundación de la Bauhaus se produjo en un momento de crisis del pensamiento moderno y la racionalidad técnica occidental en el conjunto de Europa y particularmente en Alemania. Su creación se debió a la confluencia de un conjunto de desarrollo político, social, educativo y artístico en las dos primeras décadas del siglo XX, cuya especificidad está dada por las vanguardias artísticas de comienzo de siglo.

Vassily Kandinsky

Wassily Kandinsky (Moscú, 4 diciembre 1866- 13 diciembre 1944, Neully-sur-Seine) fue un importante pintor ruso, nacionalizado alemán y posteriormente francés. Realizó estudios en derecho y de dibujo y pintura. Mostró interés por la cultura primitiva y el arte popular ruso, centrándose en el arte de Volodga, profuso en ornamentación. Estudia la obra de Rembrandt y Monet.

A los 30 años, Kandisnky se radica en Munich para estudiar pintura, abandonando la docencia académica. Asiste al taller de F. Stuck, donde conoce a Paul Klee. El color atrae a Kandinsky. En el comienzo tiene influencias del postmodernismo, fauvismo y el Jugendstil alemán.
Entre 1902-1907, viajó por Francia, Túnes, Países Bajos, Italia, Rusia. Finalmente se instala en Murnau (Baviera), allí pintó la serie de paisajes alpinos entre 1908-1910. Es en ese momento que comprende la importancia cromática y la simplificación formal que focaliza su obra.
Su descubrimiento lo llevó a una experimentación que terminó a fines de 1910, con la abstracción. Combinó la libertad cromática de los fauvistas con la exteriorización del impulso vivencial.
En 1913 una obra suya se presenta en el Armory Show de Nueva York y, al estallar la Primera Guerra Mundial, vuelve a Rusia, instalándose en Moscú, hasta 1921.

Entre 1910-1914, realizó una serie de pinturas, las cuales agrupó en tres categorías:

• Las impresiones, inspiradas en la naturaleza
• Las improvisaciones, que expresan las emociones interiores
• Las composiciones, conjugan lo intuitivo con el rigor compositivo.
La característica de estas obras está en la articulación de gruesas líneas negras con colores vivos. Aún mantienen cierta presencia de la realidad.

En 1922 se traslada a Weimar (Alemania), donde imparte clases teóricas para la Escuela de La Bauhaus En 1926 se publica su libro  Contribución al análisis de los elementos pictóricos. Una continuación orgánica de su trabajo anterior De lo espiritual en el arte. Permanecerá en la Bauhaus hasta el año 1933 cuando Rleich clausura la institución.

Desde 1933 se establece en París donde continuará su carrera como artista hasta su fallecimiento en 1944, a los 78 años de edad, en Neuilly-sur-Seine (Francia).

Unas de sus obras más destacadas:

Composición VIII (1923)

Importante muestra de la abstracción geométrica en pintura. 

Este óleo sobre lienzo se encuentra actualmente en el Museo Guggenheim de Nueva York.

              

Pareja  a caballo (1906)

                                                                                     

Se basa en un antiguo cuento ruso, y muestra la preferencia de Kandinsky por la libertad de los colores y formas antes que la representación descriptiva de los objetos

Mies Van Der Rohe

Ludwig Mies van der Rohe nació el 27 de marzo de 1886 en la ciudad de Aquisgrán (Alemania), hijo de Michael y Amalie (Rohe), como cuarto hijo de una familia católica. En 1900 empezó a trabajar en el taller de escultura de piedras de su padre y en 1905 se trasladó a Berlín para colaborar en el estudio de arquitectura de Bruno Paul.

En 1907 realiza su primera obra, la casa Riehl. De 1908 a 1911 trabajó en el despacho de Peter Behrens, del cual, Mies desarrolló un estilo arquitectónico basado en técnicas estructurales avanzadas y en el clasicismo prusiano. También realizó diseños innovadores con acero y vidrio. En 1911 dirigió la construcción de la embajada alemana en San Petersburgo. En ese mismo año se mudó a La Haya y planificó una casa de campo para el matrimonio Kröller-Müller.

“Menos es mas”, es la mejor manera de entender la arquitectura de Ludwing Mies van der Rohe. Su arquitectura se caracteriza en su impactante aparente simplicidad, en el amor y comprensión que refleja en la utilización de los materiales y en su minima ornamentación.  Mies fue un profeta de la arquitectura, que es solo un modo de decir que fue muy influyente, en pocas palabras, empezó a darle forma a nuestro futuro dejando su huella.
Entre sus obras más emblemáticas de esta etapa destaca el Edificio Seagram (1958), un rascacielos de 37 pisos de vidrio y bronce construido en Nueva York junto a su discípulo Philip Johnson. 

M.C Escher

Maurits Cornelis Escher, más conocido como M. C. Escher (Leeuwarden, Países Bajos, 17 de junio de 1898 - Hilversum, Países Bajos, 27 de marzo de 1972), artista holandés, conocido por sus grabados en madera, xilografías y litografías que tratan sobre figuras imposibles, teselados y mundos imaginarios.

Su obra experimenta con diversos métodos de representar (en dibujos de 2 ó 3 dimensiones) espacios paradójicos que desafían a los modos habituales de representación.

Escher, es uno de los más grandes artistas gráficos del siglo XX. Tal vez la mejor definición que se ha dado de él sea la de«uno de los más reconocibles y admirados por el gran público». Esto viene a decir que muchas personas admiran y encuentran curiosos, intrigantes y bonitos sus trabajos, aunque al principio no sepan muy bien de quién son ni conozcan realmente al autor o la época en que fueron creados.

Sus más populares obras, figuras imposibles, fondos reticulados con diversos patrones y mundos imaginarios han sido reproducidas hasta la saciedad en portadas de libros, revistas, campañas publicitarias y en todo tipo de formatos. Es en cierto modo, uno de los artistas más referenciados en la «cultura popular» del siglo XX.

Dado que sus obras guardan ciertas similitudes entre sí debido a la recurrencia de los temas tratados (las figuras imposibles, las metamorfosis) son fácilmente «reconocibles» para el observador interesado, que a veces acaba descubriendo al artista tras haberse encontrado previamente con gran parte de su obra.

Su obra ha interesado a muchos matemáticos.Tal vez el carácter matemático de sus obras ha hecho también que sea uno de los artistas más populares en los entornos científicos, especialmente matemáticos e informáticos. Curiosamente, sus conocimientos matemáticos siempre fueron muy limitados. Muchas de las conclusiones gráficas y matemáticas a las que llegó, que le permitirían realizar algunos de sus trabajos, tuvo que descubrirlas por sí mismo.

Las obras más conocidas de Escher son después de las figuras imposibles, los ciclos, metamorfosis y, directa o indirectamente, sus diversos trabajos sobre la estructura de la superficie y la partición regular del plano (patrones que rellenan el plano o teselado).

El análisis de sus obras, tal y como definió Bruno Ernst, uno de sus biógrafo, permite clasificarlas básicamente en tres temas y diversas categorías:

·                     La estructura del espacio – incluyendo paisajes, compenetración de mundo y cuerpos matemáticos.

·                     La estructura de la superficie – Metamorfosis, ciclos y aproximaciones al infinito.

·                     La proyección del espacio tridimensional en el plano – Representación pictórica tradicional, perspectiva y figuras imposibles.

Paul Klee

Paul Klee (Münchenbuchsee, Suiza, 18 de diciembre de 1879 - Muralto, Suiza, 29 de junio de 1940) fue un pintor alemán nacido en Suiza, que desarrolló su vida en Alemania, cuyo estilo varía entre el surrealismo, el expresionismo y la abstracción. Con una sensibilidad especial, este artista se educa primero en la música para después abandonarla y dedicarse a la pintura. Estudia en Munich, período durante el cual la influencia de Goya es notoria. En 1913 viaja a París y luego a Túnez, breve estancia definitiva para su pintura, sobre todo por la influencia que recibe de los paisajes y colores naturales de este lugar. Se anticipa al surrealismo, ya que en su obra proyecta la búsqueda por lo irracional y la abstracción, pero con claras evocaciones figurativas. Es muy personal en el trabajo con el color y las líneas y su premeditado dibujo infantilizado es la característica de su estilo. Abandona Alemania a causa del nazismo y se establece definitivamente en Suiza. Es profesor en varias ocasiones, primero en Weimar en la academia de la Bauhaus y luego en Düsseldorf. Entre las obras de Paul Klee destacan Homenaje a Picasso (1914), El puerto (Museo de Bellas Artes, Basilea), La aventura de una moza (Tate Gallery, Londres) y Lugar golpeado (1922, Kunst Museum, Berna).

Piet Mondrian

Amesfoort, Países Bajos, 1872 - Nueva York, 1944) Pintor holandés. Por educación y trayectoria vital, sus primeras obras participaron de la tradición paisajista holandesa y de su interés por los efectos lumínicos. En 1907, el conocimiento de la obra de los pintores postimpresionistas cambió por completo sus antiguas nociones sobre el color, cuyo tratamiento abordó a partir de entonces de manera mucho más audaz.Tras contemplar las primeras obras cubistas de Braque y Picasso, en 1912 decidió trasladarse a París y adaptar los preceptos del cubismo, interesado en reducir las formas individuales a una fórmula general. Aunque plásticamente su obra respetaba los principios cubistas, desde 1913 experimentó un claro avance hacia la abstracción que culminó en 1917 con el abandono definitivo del referente externo.

La Primera Guerra Mundial le hizo regresar a los Países Bajos, donde conoció a Theo van Doesburg. Junto a él y otros dos artistas (Van der Leck y Huszar), fundó la revista y movimiento De Stjil, desde los cuales defendieron el rechazo completo de la realidad circundante como referente de la obra y la reducción del lenguaje pictórico a sus elementos básicos. Este estilo, bautizado por el propio Mondrian como neoplasticismo, pretendía alcanzar la objetividad real liberando a la obra de arte de su dependencia de la percepción individual momentánea y del temperamento del artista.Tras residir varios años en París y Londres, en 1940 se trasladó a Nueva York, donde su obra se vio influida por el dinamismo de la vida urbana y por los ritmos de la música estadounidense, factores que implicaron una mayor atención a las posibilidades constructivas del color. Por influencia de la tradición puritana holandesa y de la Sociedad Teosófica, con la que estuvo en permanente contacto a lo largo de su vida, dio forma a un proyecto que se extendió más allá de lo pictórico hasta acabar por convertirse en una empresa ética: el arte como guía para la humanidad a través de la pureza y la claridad.

Raymond Loewy

Raymond Loewy (5 de noviembre de 1893 - 14 de julio de 1986) fue uno de los diseñadores industriales más conocidos del siglo XX. Nació en Francia, pero desarrolló casi toda su carrera profesional en los Estados Unidos, donde tuvo una influencia muy importante en incontables aspectos de la vida estadounidense. Adquirió la nacionalidad estadounidense en 1938. Cursó estudios en la Universidad de París y en la École de Lanneau, en la que se licenció en 1918 tras un paréntesis debido a su participación en la Primera Guerra Mundial. En 1919 se trasladó a Estados Unidos, donde trabajó para la revista Vogue. Posteriormente, en 1929, fundó su propia empresa de diseño, uno de cuyos productos, una nevera encargada por Sears, Roebuck and Co., fue un éxito de ventas y le supuso el primer premio en la Exposición Universal de París de 1937. En 1945 fundó, junto con otros cinco socios, la empresa Raymond Loewy Associates, que se convirtió, con el paso de los años, en la mayor firma mundial de diseño industrial. Entre sus obras cabe destacar el botellín de cristal de Coca-Cola, quizá su diseño más conocido, y el paquete de tabaco de Lucky Strike, entre otros muchos. A partir de 1960 trabajó para la Administración estadounidense, colaborando en el diseño del avión del presidente J. F. Kennedy y de los satélites Apollo y Skylab.

                                             
Saul Bass

Sus primeros trabajos en la meca del cine fueron la realización de carteles publicitarios para los films, aspecto que también revolucionó; enfrentándose con los conceptos establecidos que profesaban la "obligatoria" aparición de las fotos de los protagonistas en los afiches. Bass introdujo diseños abstractos transformando los simples carteles en una nueva forma de expresión artística.
En los cincuenta, Saul Bass & Associates Inc. era una exitosa empresa publicitaria, cuando recibe los primeros encargos para la realización de los "fondos" de los títulos de crédito de los films. En la preparación de su trabajo, Bass descubre que los títulos suelen tener ninguna relación con el posterior desarrollo del film, por lo que se "perdían" entre dos y tres minutos de metraje para el desarrollo de la historia.
A partir de Bass, como sostiene Eduardo Russo, "los títulos se convirtieron en una pequeña narración, abstracta o concreta, que intentaba metaforizar la historia a la que estaban introduciendo... Las secuencias de títulos comenzaron, a partir de allí, a integrarse con la ficción, a expresarla mediante un juego gráfico". 
La primera gran oportunidad para desarrolar sus teorías, aparecería en 1954 cuando el austríaco Otto Preminger le encarga la realización de los títulos de su musical Carmen Jones, cumpliendo éstos la función de obertura del film. Pero con la realización de los títulos de El hombre del brazo de oro del mismo Preminger, el nombre de Saul Bass comienza a resonar con fuerza dentro de Hollywood.
Posteriormente, trabajará con los más grandes directores: con Preminger trabajará en once oportunidades, Hitchcock (el story board de la famosa escena de la ducha en Psicosis es de su autoría; hasta algunos sostienen que la idea de la escena es suya), William Wyler, Stanley Kubrick, Stanley Kramer, Robert Wise, Martin Ritt, Mark Robson, entre otros.
Para Saul Bass, las imágenes "deben simbolizar y sintetizar la película entera en muy pocos 

minutos".

Tony Galindo

Toni Galindo nació el 21 de marzo de 1962. Fue autor de carteles para promocionar películas y para grandes festivales cinematográficos. Falleció en Barcelona  jueves 11 de mayo del 2006 .No se puede entender la imagen del cine español de los últimos diez años sin Toni Galindo, diseñador gráfico que ayer fallecía en Barcelona a la edad de 44 años. Bajo la firma de Art&Maña, nombre de la empresa que regentaba junto a su compañera Ana Obradors, Toni diseñó la imagen gráfica de grandes éxitos como Mar Adentro, La Gran Aventura de Mortadelo y Filemón o Los Otros. En su faceta como autor de carteles para festivales de cine diseñó para Sitges, Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián, Gijón o Manresa. Entre 1996 y 2001 se encargó de la imagen del Festival Internacional de Cine de San Sebastián (diseños con los que obtuvo dos premios Key Art, galardones que otorga la revista Hollywood Reporter); Tiempo después decide instalarse junto a Anna Obradors en Donostia; allí entran en contacto con el mundo del cine, primero con realizadores noveles como Santiago Segura, Alex de la Iglesia o Daniel Monzón, y después con diversos organismos e instituciones. Tras la firma de los carteles de La lengua asesina o Airbag, Art&Maña comienza a expandir sus actividades a toda la imagen comunicativa de una película: logotipos, carteles, pressbooks. En un mundo, el del cine, en el que la expresión "lo quiero para ayer" no es una forma de hablar, Toni Galindo era todo un lujo. No sólo hacía gala de una extraordinaria capacidad de trabajar a toda máquina, sino que siempre lo hacía bien y sin perder la sonrisa. Como buen miembro de la generación pop nacida en los 60, era todo un experto en diversa temática freak: consolas de videojuegos, Star Trek, Monty Python o La Hora Chanante.-

Reid Miles

Reid Miles (1927 – 1993) fue un diseñador gráfico que trabajó en Nueva York en la primera mitad de los años 50 del siglo XX, fecha en que fue contratado por la editora de discos de jazz Blue Note para diseñar las portadas de sus álbumes.

El conocimiento y uso fotográfico de Miles le permitieron crear portadas sorprendentes, diferenciando su trabajo del resto de diseñadores. Su uso inteligente del color, ajustando sus diseños a las restricciones presupuestarias y a las dificultades económicas de un sello pequeño también le facilitaron la obtención de resultados impresionantes. Por último, el estilo tipográfico de Miles se convirtió en todo un sello de identidad de su trabajo. La combinación de estos elementos hice de Reid Miles un diseñador verdaderamente especial. Su legado no ha sido recuperado todavía, y ha influenciado e inspirado a generaciones de diseñadores. Miles "definió el estilo musical de la música jazz".

                                     

  

Banksy

Banksy es el pseudónimo de un prolífico artista del street art británico.

Se cree que nació en Yate, localidad cercana a Bristol, en 1974, pero los datos acerca de su identidad son inciertos y se desconocen detalles de su biografía. Según Tristan Manco, Banksy "nació en 1974 y creció en Bristol, Inglaterra. Hijo de un técnico de fotocopiadoras, se formó como carnicero pero se vio implicado en el graffiti durante el boom del aerosol en Bristol de finales de la década de 1980". Su trabajo, en su gran mayoría piezas satíricas sobre política, cultura pop, moralidad y etnias, combina escritura con graffiti con el uso de estarcidos con plantilla(conocidos generalmente como stencils, del inglés). Su arte urbano combina escritura con una técnica de estarcido muy distintiva, similar aBlek le Rat, quien empezó a trabajar con estarcidos en 1981 en París; y miembros de la banda de anarco-punk Crass, que mantuvieron una campaña en las instalaciones del metro de Londres a finales de la década de los setenta del siglo XX e inicios de los ochenta. Banksy reconoció la influencia de Blek diciendo "cada vez que creo que he pintado algo ligeramente original, me doy cuenta de que Blek le Rat lo hizo mejor, sólo que veinte años antes." Sus obras se han hecho populares al ser visibles en varias ciudades del mundo, especialmente en Londres.