cuadernodedibujotecnico.blogspot.com.es/2009/09/ejercicios-de-1-de-bachillerato.html
En el anterior enlace encontraréis unos ejercicios muy utiles para vosotros.
Próxima estación: Arte en el Piles
Wednesday, October 7, 2015
Wednesday, January 9, 2013
Trabajo - Diseño de una casa. Fases
Queridos Alumnos
ya sabréis que no nos vamos a ver en varios días, así que, mientras llega otro profesor, el curso no se para y hay trabajo por hacer.
Tenéis que diseñar vuestra casa, máximo dos plantas. Escala 1/50, es decir, cada cm. de vuestro dibujo representa 50 cms. en la realidad. Dibujad la planta sola, en una lámina DIN A-3 de vuestro bloc de dibujo, esas dimensiones del papel son vuestro límite. Por supuesto, con escuadra y cartabón, y si alguien quiere utilizar un paralex o tecnígrafo, no hay problema. NO SE PUEDEN UTILIZAR SISTEMAS DE DISEÑO ASISTIDO POR ORDENADOR, todo será dibujado "a mano". Si es de dos plantas, os permito utilizar papel vegetal para hacer la transparencia.
Mañana voy a compartir con vosotros en el drive de gmail un plano, por si lo queréis utilizar de referencia.
Utilizad lapiceros duros, HB, y como mínimo 2H. Podéis usar estilógrafos tipo Pilot pero no es obligatorio
Estad atentos a este blog, cada poco os iré perfilando y añadiendo tareas.
Sunday, December 16, 2012
Trabajo de los pintores Jackson Pollock y Lee Krasner
Paul Jackson Pollock (28 de enero de 1912, Cody, Wyoming,
Estados Unidos - 11 de agosto de 1956 Springs, Nueva York, Estados
Unidos) fue un influyente artista estadounidense y un referente en el
movimiento del expresionismo abstracto. Considerado uno de los pintores
más importantes de los Estados Unidos en el siglo XX.
Después de vivir su infancia y adolescencia en Cody, se mudó en 1929 a Nueva York, donde estudió en la Art Students League con el pintor Thomas Hart Benton.
Su trabajo, al ser ampliamente reseñado por el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MOMA), empezó a ser relacionado con el surrealismo. Los críticos del momento, tuvieron que empezar a relacionar su obra de una u otra manera con el «automatismo», en una escritura automática que pretende reflejar los fenómenos psíquicos que tienen lugar en el interior del artista. Entre 1935 y 1943 trabajó para la WPA y pintó bajo la influencia de Picasso, el surrealismo y el psicoanálisis jungiano que usó como terapia contra su alcoholismo. En 1936 tuvo ocasión de trabajar en el taller experimental del muralista David Alfaro Siqueiros, usando pintura con bomba de aire y con aerógrafo, así como pigmentos sintéticos industriales. Desde 1938 hasta 1942 trabajó para el Federal Art Project (Proyecto de Arte Federal). Pero en el caso de Pollock, hubo otras fuentes de inspiración añadidas. Así, la cultura de los indios de Norteamérica, con sus formas simbólicas y sus pinturas de arena. Esto le llevó también a probar otros materiales, como el barniz, el aluminio o los esmaltes sintéticos entre otros.
El pintor se casó con la pintora Lee Krasner en 1945, la cual le brindó todo su apoyo siempre, a pesar de las adversidades, y de los múltiples vicios de Pollock.
Jackson Pollock se caracteriza en su dimensión artística, entre otras cosas, por ser uno de los renovadores del concepto de la plasmación gráfica a través de una serie de técnicas de tratamiento de la pintura no experimentadas hasta entonces, y la teorización fundamentada y racional que conlleva la explicación del desarrollo de la abstracción en la realización de sus trabajos. Toda esta dimensión creada por Pollock fue la precursora del nacimiento del Expresionismo Abstracto como rama artística de gran peso entre la década de los 40 y 60.
Lee Krasner nació el 28 de Octubre de de 1908 - 19 de Junio de 1984 fue una influyente artista del expresionismo abstracto en la segunda mitad del siglo 20.
Nació en Brooklyn, Nueva York . Su verdadero nombre era Lena Krasner, y era la sexta hija de un matrimonio de inmigrantes judíos procedentes de Rusia.
Krasner estudió con Hans Hofmann a partir de 1937. Hofmann mostró a Krasner la obra de Picasso, Matisse y otros pintores abstractos europeos, lo que ejerció una gran influencia sobre ella. En 1940, comenzó a exponer con un grupo de pintores norteamericanos, estableciendo el Expresionismo abstracto.
En 1945, Krasner contrajo matrimonio con el artista Jackson Pollock, también influenciado por el mismo movimiento artístico.
Murió a la edad de 75 años en 1984.
Este es uno de sus cuadros mas conocidos:
Después de vivir su infancia y adolescencia en Cody, se mudó en 1929 a Nueva York, donde estudió en la Art Students League con el pintor Thomas Hart Benton.
Su trabajo, al ser ampliamente reseñado por el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MOMA), empezó a ser relacionado con el surrealismo. Los críticos del momento, tuvieron que empezar a relacionar su obra de una u otra manera con el «automatismo», en una escritura automática que pretende reflejar los fenómenos psíquicos que tienen lugar en el interior del artista. Entre 1935 y 1943 trabajó para la WPA y pintó bajo la influencia de Picasso, el surrealismo y el psicoanálisis jungiano que usó como terapia contra su alcoholismo. En 1936 tuvo ocasión de trabajar en el taller experimental del muralista David Alfaro Siqueiros, usando pintura con bomba de aire y con aerógrafo, así como pigmentos sintéticos industriales. Desde 1938 hasta 1942 trabajó para el Federal Art Project (Proyecto de Arte Federal). Pero en el caso de Pollock, hubo otras fuentes de inspiración añadidas. Así, la cultura de los indios de Norteamérica, con sus formas simbólicas y sus pinturas de arena. Esto le llevó también a probar otros materiales, como el barniz, el aluminio o los esmaltes sintéticos entre otros.
El pintor se casó con la pintora Lee Krasner en 1945, la cual le brindó todo su apoyo siempre, a pesar de las adversidades, y de los múltiples vicios de Pollock.
Jackson Pollock se caracteriza en su dimensión artística, entre otras cosas, por ser uno de los renovadores del concepto de la plasmación gráfica a través de una serie de técnicas de tratamiento de la pintura no experimentadas hasta entonces, y la teorización fundamentada y racional que conlleva la explicación del desarrollo de la abstracción en la realización de sus trabajos. Toda esta dimensión creada por Pollock fue la precursora del nacimiento del Expresionismo Abstracto como rama artística de gran peso entre la década de los 40 y 60.
Lee Krasner nació el 28 de Octubre de de 1908 - 19 de Junio de 1984 fue una influyente artista del expresionismo abstracto en la segunda mitad del siglo 20.
Nació en Brooklyn, Nueva York . Su verdadero nombre era Lena Krasner, y era la sexta hija de un matrimonio de inmigrantes judíos procedentes de Rusia.
Krasner estudió con Hans Hofmann a partir de 1937. Hofmann mostró a Krasner la obra de Picasso, Matisse y otros pintores abstractos europeos, lo que ejerció una gran influencia sobre ella. En 1940, comenzó a exponer con un grupo de pintores norteamericanos, estableciendo el Expresionismo abstracto.
En 1945, Krasner contrajo matrimonio con el artista Jackson Pollock, también influenciado por el mismo movimiento artístico.
Murió a la edad de 75 años en 1984.
Este es uno de sus cuadros mas conocidos:
Beatriz Álvarez y Álvaro Torres Bravo 4D
Apuntes diseño gráfico
Apuntes diseño grafico
Tipo de diseño cuya función es comunicar mensajes visuales a través de diferentes soportes (libros, revistas, portadas de discos, diseño de envases, cualquier tipo de publicidad, imágenes corporativas, carteles, marcas comerciales etc) y medios de comunicación de masas (televisión, cine, prensa, internet, etc)
Sus características son :
- Uso de módulos básicos
- Repetición como ritmo hasta el infinito
- Geometría o/y formas orgánicas
- Uso inteligente del color
- Crear una composición
- Elección de las fuentes (letras) más adecuadas
Antecedentes del diseño gráfico son el Arte Rupestre y el Arte Egipcio
Arte Rupestre
El arte egipcio es un arte que está muy relacionado con el medio en el que se desarrolla. Este medio influye en diferentes aspectos: por un lado el medio geográfico determina una cultura cerrada que hace un arte impermeable a influencias exteriores, que va a evolucionar poco y cuando lo va a hacer va a ser sobre sus propias formas debido a la falta de comunicación con el exterior.

Movimiento artístico de finales del S. XII, nace en Inglaterra y se extiende a principios del S. XX por todo EE.UU
- William Morris (Clay Hill
- La Bauhaus sentó las bases normativas y patrones de lo que hoy conocemos como diseño industrial y gráfico;
puede decirse que antes de la existencia de la Bauhaus estas dos
profesiones no existían tal cual y fueron concebidas dentro de esta
escuela. Sin duda la escuela estableció los fundamentos académicos sobre
los cuales se basaría en gran medida una de las tendencias más
predominantes de la nueva Arquitectura Moderna, incorporando una nueva estética que abarcaría todos los ámbitos de la vida cotidiana: desde la silla en la que usted se sienta hasta la página que está leyendo (Heinrich von Eckardt). Dada su importancia las obras de la Bauhaus en Weimar y Dessau fueron declaradas como Patrimonio de la Humanidad por la Unesco en el año 1996. Uno de los principios establecidos por la Bauhaus desde su fundación es "La forma sigue a la función".
La fundación de la Bauhaus se produjo en un momento de crisis del pensamiento moderno y la racionalidad técnica occidental en el conjunto de Europa y particularmente en Alemania. Su creación se debió a la confluencia de un conjunto de desarrollo político, social, educativo y artístico en las dos primeras décadas del siglo XX, cuya especificidad está dada por las vanguardias artísticas de comienzo de siglo.
Entre 1902-1907, viajó por Francia, Túnes, Países Bajos, Italia, Rusia. Finalmente se instala en Murnau (Baviera), allí pintó la serie de paisajes alpinos entre 1908-1910. Es en ese momento que comprende la importancia cromática y la simplificación formal que focaliza su obra.
Su descubrimiento lo llevó a una experimentación que terminó a fines de 1910, con la abstracción. Combinó la libertad cromática de los fauvistas con la exteriorización del impulso vivencial.
En 1913 una obra suya se presenta en el Armory Show de Nueva York y, al estallar la Primera Guerra Mundial, vuelve a Rusia, instalándose en Moscú, hasta 1921.
Entre 1910-1914, realizó una serie de pinturas, las cuales agrupó en tres categorías:
• Las impresiones, inspiradas en la naturaleza
• Las improvisaciones, que expresan las emociones interiores
• Las composiciones, conjugan lo intuitivo con el rigor compositivo.
La característica de estas obras está en la articulación de gruesas líneas negras con colores vivos. Aún mantienen cierta presencia de la realidad.
Sus primeros trabajos en la meca del cine fueron la realización de carteles publicitarios para los films, aspecto que también revolucionó; enfrentándose con los conceptos establecidos que profesaban la "obligatoria" aparición de las fotos de los protagonistas en los afiches. Bass introdujo diseños abstractos transformando los simples carteles en una nueva forma de expresión artística.
En los cincuenta, Saul Bass & Associates Inc. era una exitosa empresa publicitaria, cuando recibe los primeros encargos para la realización de los "fondos" de los títulos de crédito de los films. En la preparación de su trabajo, Bass descubre que los títulos suelen tener ninguna relación con el posterior desarrollo del film, por lo que se "perdían" entre dos y tres minutos de metraje para el desarrollo de la historia.
A partir de Bass, como sostiene Eduardo Russo, "los títulos se convirtieron en una pequeña narración, abstracta o concreta, que intentaba metaforizar la historia a la que estaban introduciendo... Las secuencias de títulos comenzaron, a partir de allí, a integrarse con la ficción, a expresarla mediante un juego gráfico".
La primera gran oportunidad para desarrolar sus teorías, aparecería en 1954 cuando el austríaco Otto Preminger le encarga la realización de los títulos de su musical Carmen Jones, cumpliendo éstos la función de obertura del film. Pero con la realización de los títulos de El hombre del brazo de oro del mismo Preminger, el nombre de Saul Bass comienza a resonar con fuerza dentro de Hollywood.
Posteriormente, trabajará con los más grandes directores: con Preminger trabajará en once oportunidades, Hitchcock (el story board de la famosa escena de la ducha en Psicosis es de su autoría; hasta algunos sostienen que la idea de la escena es suya), William Wyler, Stanley Kubrick, Stanley Kramer, Robert Wise, Martin Ritt, Mark Robson, entre otros.
Para Saul Bass, las imágenes "deben simbolizar y sintetizar la película entera en muy pocos
Tipo de diseño cuya función es comunicar mensajes visuales a través de diferentes soportes (libros, revistas, portadas de discos, diseño de envases, cualquier tipo de publicidad, imágenes corporativas, carteles, marcas comerciales etc) y medios de comunicación de masas (televisión, cine, prensa, internet, etc)
Sus características son :
- Uso de módulos básicos
- Repetición como ritmo hasta el infinito
- Geometría o/y formas orgánicas
- Uso inteligente del color
- Crear una composición
- Elección de las fuentes (letras) más adecuadas
Antecedentes del diseño gráfico son el Arte Rupestre y el Arte Egipcio
Arte Rupestre
No
existe consenso sobre el nacimiento del diseño gráfico, algunos opinan
que fue en el período de entre guerras, otros que tendría sus inicios a
fines del siglo XIX. Otros más extremos lo sitúan en las pinturas rupestres del Paleolítico, y algunos piensan que nace junto con el lenguaje escrito.
Esta
diversidad se debe a que puede considerarse como producto del diseño
gráfico a toda manifestación gráfica. Pero por otra parte, se clasifica
únicamente a las manifestaciones que surgen como resultado de aplicar el
modelo industrial de producción, o sea, manifestaciones visuales que
fueron proyectadas y que contemplen diversas necesidades, productivas,
simbólicas, contextuales, ergonómicas, etc.
Se
conoce como arte rupestre a los rastros de actividad humana o imágenes
que han sido grabadas o pintadas sobre superficies rocosas.
En
su paso por el mundo, el hombre ha dejado plasmadas en cuevas, piedras y
paredes rocosas, innumerables representaciones de animales, plantas u
objetos; escenas de la vida cotidiana, signos y figuraciones
geométricas, etc., obras consideradas entre las más antiguas
manifestaciones de su destreza y pensamiento. Antes del desarrollo de la
escritura, las sociedades humanas posiblemente registraban
ya, mediante la pintura y el grabado en piedras, una gran parte de
sus vivencias, pensamientos y creencias.
Arte Egipcio
El
arte egipcio es, indudablemente, la manifestación artística que más
ha subyugado al hombre moderno.
La
civilización egipcia no sólo creó una arquitectura, escultura y
pintura de impresionante belleza, sino también toda una cultura que
ha hecho soñar a investigadores, literatos y personas corrientes,
donde se funde lo histórico, lo mítico y lo misterioso.El arte egipcio es un arte que está muy relacionado con el medio en el que se desarrolla. Este medio influye en diferentes aspectos: por un lado el medio geográfico determina una cultura cerrada que hace un arte impermeable a influencias exteriores, que va a evolucionar poco y cuando lo va a hacer va a ser sobre sus propias formas debido a la falta de comunicación con el exterior.
Épocas


Arts and Crafts
Movimiento artístico de finales del S. XII, nace en Inglaterra y se extiende a principios del S. XX por todo EE.UU
- William Morris (Clay Hill
Walthamstow, Inglaterra, 24 de marzo de 1834 - 3 de octubre de 1896) fue un artesano, impresor, poeta, escritor, activista político, pintor y diseñador británico, fundador del movimiento Arts and Crafts., insta la recuperación de los oficios medievales; ebanista, vidriera, joyero, etc.
- Es un movimiento contracultural
- El movimiento revindicó los oficios medievales en plena época victoriana, revindicando así la primorcia del ser humando sobre la máquina y siendo un movimiento en principio contracultural. Oponía la creatividad y el arte a la producción en serie. Se caracteriza por el uso de la producción en serie. Se caracteriza por el uso de líneas serpeadas y asimétricas constituyendo sobre todo un arte decorativo.
- Se trató de un movimiento estético reformista que tuvo gran influencia en la arquitectura, las artes decorativas y las artesanías británicas y norteamericanas e incluso en el diseño de jardines.
Bases del diseño gráfico
- Arts and Crafts = Modernismo (del cual sale el Art Decó)
- Es un movimiento contracultural
- El movimiento revindicó los oficios medievales en plena época victoriana, revindicando así la primorcia del ser humando sobre la máquina y siendo un movimiento en principio contracultural. Oponía la creatividad y el arte a la producción en serie. Se caracteriza por el uso de la producción en serie. Se caracteriza por el uso de líneas serpeadas y asimétricas constituyendo sobre todo un arte decorativo.
- Se trató de un movimiento estético reformista que tuvo gran influencia en la arquitectura, las artes decorativas y las artesanías británicas y norteamericanas e incluso en el diseño de jardines.
Bases del diseño gráfico
- Arts and Crafts = Modernismo (del cual sale el Art Decó)
Uno de los cartelistas más importantes de todos los tiempos es Heuri de Toulousse-Lautrec Henri Marie Raymond de Toulouse-Lautrec (Albi, 24 de noviembre de 1864 - Saint-André-du-Bois, 9 de septiembre de 1901), conocido simplemente como Toulouse Lautrec, fue un pintor y cartelista francés que se destacó por su representación de la vida nocturna parisiense de finales del siglo XIX. Se le enmarca en la generación del posimpresionísmo. Su
infancia fue feliz a pesar de que padeció una enfermedad que afectaba
al desarrollo de los huesos y que comenzó a manifestarse en él en 1874. Su constitución ósea era débil y entre mayo de 1878 y agosto de 1879 sufrió dos fracturas en los fémures de ambas piernas, que le impidieron crecer más, alcanzando una altura de 1,52 m.
Entre sus obras podemos destacar:
Entre sus obras podemos destacar:
- Autorretrato ante el espejo (óleo sobre cartón, 1880).
- Lacayo de caballerías con dos caballos (óleo sobre cartón, 1880).
- El Conde Alphonse de Toulouse-Lautrec conduce su coche de cuatro caballos (óleo sobre tela, 1881).
La Bauhaus
- La Staatliche Bauhaus (Casa de la Construcción Estatal) o simplemente la Bauhaus, fue la escuela de artesanía, diseño, arte y arquitectura fundada en 1919 por Walter Gropius en Weimar (Alemania) y cerrada por las autoridades prusianas (en manos del partido nazi) en el año 1933. El nombre Bauhaus deriva de la unión de las palabras en alemán Bau que conlleva el trash, "de la construcción", y Haus.|.,
"casa"; irónicamente, a pesar de su nombre y del hecho de que su
fundador fue un arquitecto, la Bauhaus no tuvo un departamento de
arquitectura en los primeros años de su existencia.
Sus propuestas y
declaraciones de intenciones participaban de la idea de una necesaria
reforma de las enseñanzas artísticas como base para una consiguiente
transformación de la sociedad burguesa de la época, de acuerdo con el
pensamiento socialista de su fundador. La primera fase (1919-1923) fue
idealista y romántica, la segunda (1923-1925) mucho más racionalista y
en la tercera (1925-1929) alcanzó su mayor reconocimiento, coincidiendo
con su traslado de Weimar a Dessau. En 1930, bajo la dirección de Mies
van der Rohe, se trasladó a Berlín donde cambió por completo la
orientación de su programa de enseñanza.
Arquitectos, escultores, pintores, ...
debemos regresar al trabajo manual ... Establezcamos, por lo tanto, una
nueva cofradía de artesanos, libres de esa arrogancia que divide a las
clases sociales y que busca erigir una barrera infranqueable entre los
artesanos y los artistas.
Walter Gropius
La fundación de la Bauhaus se produjo en un momento de crisis del pensamiento moderno y la racionalidad técnica occidental en el conjunto de Europa y particularmente en Alemania. Su creación se debió a la confluencia de un conjunto de desarrollo político, social, educativo y artístico en las dos primeras décadas del siglo XX, cuya especificidad está dada por las vanguardias artísticas de comienzo de siglo.
Vassily Kandinsky
Wassily
Kandinsky (Moscú,
4 diciembre 1866- 13 diciembre 1944, Neully-sur-Seine) fue un
importante pintor ruso, nacionalizado alemán y posteriormente
francés. Realizó estudios en derecho y de dibujo y pintura.
Mostró interés por la cultura primitiva y el arte popular ruso,
centrándose en el arte de Volodga, profuso en ornamentación.
Estudia la obra de Rembrandt y Monet.
A
los 30 años, Kandisnky se radica en Munich para estudiar pintura,
abandonando la docencia académica. Asiste al taller de F. Stuck,
donde conoce a Paul Klee. El color atrae a Kandinsky. En el comienzo
tiene influencias del postmodernismo, fauvismo y
el Jugendstil alemán.Entre 1902-1907, viajó por Francia, Túnes, Países Bajos, Italia, Rusia. Finalmente se instala en Murnau (Baviera), allí pintó la serie de paisajes alpinos entre 1908-1910. Es en ese momento que comprende la importancia cromática y la simplificación formal que focaliza su obra.
Su descubrimiento lo llevó a una experimentación que terminó a fines de 1910, con la abstracción. Combinó la libertad cromática de los fauvistas con la exteriorización del impulso vivencial.
En 1913 una obra suya se presenta en el Armory Show de Nueva York y, al estallar la Primera Guerra Mundial, vuelve a Rusia, instalándose en Moscú, hasta 1921.
Entre 1910-1914, realizó una serie de pinturas, las cuales agrupó en tres categorías:
• Las impresiones, inspiradas en la naturaleza
• Las improvisaciones, que expresan las emociones interiores
• Las composiciones, conjugan lo intuitivo con el rigor compositivo.
La característica de estas obras está en la articulación de gruesas líneas negras con colores vivos. Aún mantienen cierta presencia de la realidad.
En 1922 se
traslada a Weimar (Alemania), donde imparte clases teóricas para la
Escuela de La Bauhaus En 1926 se publica su libro Contribución al análisis de los elementos pictóricos.
Una continuación orgánica de su trabajo anterior De
lo espiritual en el arte.
Permanecerá en la Bauhaus hasta el año 1933 cuando Rleich clausura
la institución.
Desde
1933 se establece en París donde continuará su carrera como artista
hasta su fallecimiento en 1944, a los 78 años de edad,
en Neuilly-sur-Seine (Francia).
Mies Van Der Rohe
Ludwig Mies van
der Rohe nació el 27 de marzo de 1886 en la ciudad de Aquisgrán
(Alemania), hijo de Michael y Amalie (Rohe), como cuarto hijo de una
familia católica. En 1900 empezó a trabajar en el taller de escultura de
piedras de su padre y en 1905 se trasladó a Berlín para colaborar en el
estudio de arquitectura de Bruno Paul.
En 1907 realiza
su primera obra, la casa Riehl. De 1908 a 1911 trabajó en el despacho
de Peter Behrens, del cual, Mies desarrolló un estilo arquitectónico
basado en técnicas estructurales avanzadas y en el clasicismo prusiano.
También realizó diseños innovadores con acero y vidrio. En 1911 dirigió
la construcción de la embajada alemana en San Petersburgo. En ese mismo
año se mudó a La Haya y planificó una casa de campo para el matrimonio
Kröller-Müller.
“Menos es mas”, es la mejor manera de entender la arquitectura de Ludwing
Mies van der Rohe. Su arquitectura se caracteriza en su impactante
aparente simplicidad, en el amor y comprensión que refleja en la
utilización de los materiales y en su minima ornamentación. Mies fue un
profeta de la arquitectura, que es solo un modo de decir que fue muy
influyente, en pocas palabras, empezó a darle forma a nuestro futuro
dejando su huella.
Entre sus obras más emblemáticas de esta etapa destaca el Edificio Seagram (1958), un rascacielos de 37 pisos de vidrio y bronce construido en Nueva York junto a su discípulo Philip Johnson.
Entre sus obras más emblemáticas de esta etapa destaca el Edificio Seagram (1958), un rascacielos de 37 pisos de vidrio y bronce construido en Nueva York junto a su discípulo Philip Johnson.
M.C Escher
Maurits Cornelis Escher, más conocido como M. C. Escher (Leeuwarden, Países
Bajos, 17 de junio de 1898 - Hilversum, Países Bajos, 27 de
marzo de 1972), artista holandés, conocido por sus grabados en
madera, xilografías y litografías que tratan sobre figuras
imposibles, teselados y mundos imaginarios.
Su obra
experimenta con diversos métodos de representar (en dibujos de 2 ó 3
dimensiones) espacios paradójicos que desafían a los modos habituales de
representación.
Escher, es uno de los más grandes artistas gráficos del siglo XX. Tal vez la mejor definición que se ha dado de él sea la de«uno de los más reconocibles y admirados por el gran público». Esto
viene a decir que muchas personas admiran y encuentran curiosos,
intrigantes y bonitos sus trabajos, aunque al principio no sepan muy
bien de quién son ni conozcan realmente al autor o la época en que
fueron creados.
Sus más
populares obras, figuras imposibles, fondos reticulados con diversos
patrones y mundos imaginarios han sido reproducidas hasta la saciedad en
portadas de libros, revistas, campañas publicitarias y en todo tipo de
formatos. Es en cierto modo, uno de los artistas más referenciados en la
«cultura popular» del siglo XX.
Dado que sus
obras guardan ciertas similitudes entre sí debido a la recurrencia de
los temas tratados (las figuras imposibles, las metamorfosis) son
fácilmente «reconocibles» para el observador interesado, que a veces
acaba descubriendo al artista tras haberse encontrado previamente con
gran parte de su obra.
Su obra ha interesado a muchos matemáticos.Tal
vez el carácter matemático de sus obras ha hecho también que sea uno de
los artistas más populares en los entornos científicos, especialmente
matemáticos e informáticos. Curiosamente, sus conocimientos matemáticos
siempre fueron muy limitados. Muchas de las conclusiones gráficas y
matemáticas a las que llegó, que le permitirían realizar algunos de sus
trabajos, tuvo que descubrirlas por sí mismo.
Las
obras más conocidas de Escher son después de las figuras imposibles,
los ciclos, metamorfosis y, directa o indirectamente, sus diversos
trabajos sobre la estructura de la superficie y la partición regular del
plano (patrones que rellenan el plano o teselado).
El análisis de
sus obras, tal y como definió Bruno Ernst, uno de sus biógrafo, permite
clasificarlas básicamente en tres temas y diversas categorías:
- La estructura del espacio – incluyendo paisajes, compenetración de mundo y cuerpos matemáticos.
- La estructura de la superficie – Metamorfosis, ciclos y aproximaciones al infinito.
- La proyección del espacio tridimensional en el plano – Representación pictórica tradicional, perspectiva y figuras imposibles.
Paul Klee
Paul Klee (Münchenbuchsee, Suiza, 18 de diciembre de 1879 - Muralto, Suiza, 29 de junio de 1940) fue un pintor alemán nacido en Suiza, que desarrolló su vida en Alemania, cuyo estilo varía entre el surrealismo, el expresionismo y la abstracción. Con
una sensibilidad especial, este artista se educa primero en la música
para después abandonarla y dedicarse a la pintura. Estudia en Munich,
período durante el cual la influencia de Goya es notoria. En 1913 viaja a
París y luego a Túnez, breve estancia definitiva para su pintura, sobre
todo por la influencia que recibe de los paisajes y colores naturales
de este lugar. Se anticipa al surrealismo, ya que en su obra proyecta la
búsqueda por lo irracional y la abstracción, pero con claras
evocaciones figurativas. Es muy personal en el trabajo con el color y
las líneas y su premeditado dibujo infantilizado es la característica de
su estilo. Abandona Alemania a causa del nazismo y se establece
definitivamente en Suiza. Es profesor en varias ocasiones, primero en
Weimar en la academia de la Bauhaus y luego en Düsseldorf. Entre las
obras de Paul Klee destacan Homenaje a Picasso (1914), El puerto (Museo
de Bellas Artes, Basilea), La aventura de una moza (Tate Gallery,
Londres) y Lugar golpeado (1922, Kunst Museum, Berna).
Piet Mondrian
Amesfoort,
Países Bajos, 1872 - Nueva York, 1944) Pintor holandés. Por educación y
trayectoria vital, sus primeras obras participaron de la tradición
paisajista holandesa y de su interés por los efectos lumínicos. En 1907,
el conocimiento de la obra de los pintores postimpresionistas cambió
por completo sus antiguas nociones sobre el color, cuyo tratamiento
abordó a partir de entonces de manera mucho más audaz.Tras contemplar las primeras obras cubistas deBraque y Picasso,
en 1912 decidió trasladarse a París y adaptar los preceptos del
cubismo, interesado en reducir las formas individuales a una fórmula
general. Aunque plásticamente su obra respetaba los principios cubistas,
desde 1913 experimentó un claro avance hacia la abstracción que culminó
en 1917 con el abandono definitivo del referente externo.
La Primera
Guerra Mundial le hizo regresar a los Países Bajos, donde conoció a Theo
van Doesburg. Junto a él y otros dos artistas (Van der Leck y Huszar),
fundó la revista y movimiento De Stjil, desde los cuales defendieron el
rechazo completo de la realidad circundante como referente de la obra y
la reducción del lenguaje pictórico a sus elementos básicos. Este
estilo, bautizado por el propio Mondrian como neoplasticismo, pretendía
alcanzar la objetividad real liberando a la obra de arte de su
dependencia de la percepción individual momentánea y del temperamento
del artista.Tras residir varios años en París y Londres, en 1940 se
trasladó a Nueva York, donde su obra se vio influida por el dinamismo de
la vida urbana y por los ritmos de la música estadounidense, factores
que implicaron una mayor atención a las posibilidades constructivas del
color. Por influencia de la tradición puritana holandesa y de la
Sociedad Teosófica, con la que estuvo en permanente contacto a lo largo
de su vida, dio forma a un proyecto que se extendió más allá de lo
pictórico hasta acabar por convertirse en una empresa ética: el arte
como guía para la humanidad a través de la pureza y la claridad.
Raymond Loewy
Raymond Loewy (5 de noviembre de 1893 - 14 de julio de 1986) fue uno de los diseñadores industriales más conocidos del siglo XX. Nació en Francia, pero desarrolló casi toda su carrera profesional en los Estados Unidos, donde tuvo una influencia muy importante en incontables aspectos de la vida estadounidense. Adquirió la nacionalidad estadounidense en 1938. Cursó
estudios en la Universidad de París y en la École de Lanneau, en la que
se licenció en 1918 tras un paréntesis debido a su participación en la
Primera Guerra Mundial. En 1919 se trasladó a Estados Unidos, donde
trabajó para la revista Vogue. Posteriormente, en 1929, fundó su propia
empresa de diseño, uno de cuyos productos, una nevera encargada por
Sears, Roebuck and Co., fue un éxito de ventas y le supuso el primer
premio en la Exposición Universal de París de 1937. En 1945 fundó, junto
con otros cinco socios, la empresa Raymond Loewy Associates, que se
convirtió, con el paso de los años, en la mayor firma mundial de diseño
industrial. Entre sus obras cabe destacar el botellín de cristal de
Coca-Cola, quizá su diseño más conocido, y el paquete de tabaco de Lucky
Strike, entre otros muchos. A partir de 1960 trabajó para la
Administración estadounidense, colaborando en el diseño del avión del
presidente J. F. Kennedy y de los satélites Apollo y Skylab.
Saul Bass
Sus primeros trabajos en la meca del cine fueron la realización de carteles publicitarios para los films, aspecto que también revolucionó; enfrentándose con los conceptos establecidos que profesaban la "obligatoria" aparición de las fotos de los protagonistas en los afiches. Bass introdujo diseños abstractos transformando los simples carteles en una nueva forma de expresión artística.
En los cincuenta, Saul Bass & Associates Inc. era una exitosa empresa publicitaria, cuando recibe los primeros encargos para la realización de los "fondos" de los títulos de crédito de los films. En la preparación de su trabajo, Bass descubre que los títulos suelen tener ninguna relación con el posterior desarrollo del film, por lo que se "perdían" entre dos y tres minutos de metraje para el desarrollo de la historia.
A partir de Bass, como sostiene Eduardo Russo, "los títulos se convirtieron en una pequeña narración, abstracta o concreta, que intentaba metaforizar la historia a la que estaban introduciendo... Las secuencias de títulos comenzaron, a partir de allí, a integrarse con la ficción, a expresarla mediante un juego gráfico".
La primera gran oportunidad para desarrolar sus teorías, aparecería en 1954 cuando el austríaco Otto Preminger le encarga la realización de los títulos de su musical Carmen Jones, cumpliendo éstos la función de obertura del film. Pero con la realización de los títulos de El hombre del brazo de oro del mismo Preminger, el nombre de Saul Bass comienza a resonar con fuerza dentro de Hollywood.
Posteriormente, trabajará con los más grandes directores: con Preminger trabajará en once oportunidades, Hitchcock (el story board de la famosa escena de la ducha en Psicosis es de su autoría; hasta algunos sostienen que la idea de la escena es suya), William Wyler, Stanley Kubrick, Stanley Kramer, Robert Wise, Martin Ritt, Mark Robson, entre otros.
Para Saul Bass, las imágenes "deben simbolizar y sintetizar la película entera en muy pocos
minutos".
Tony Galindo
Toni Galindo
nació el 21 de marzo de 1962. Fue autor de carteles para promocionar
películas y para grandes festivales cinematográficos. Falleció en
Barcelona jueves 11 de mayo del 2006 .No se puede entender la imagen
del cine español de los últimos diez años sin Toni Galindo, diseñador
gráfico que ayer fallecía en Barcelona a la edad de 44 años. Bajo la
firma de Art&Maña, nombre de la empresa que regentaba junto a su
compañera Ana Obradors, Toni diseñó la imagen gráfica de grandes éxitos
como Mar Adentro, La Gran Aventura de Mortadelo y Filemón o Los Otros. En
su faceta como autor de carteles para festivales de cine diseñó para
Sitges, Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián, Gijón o
Manresa. Entre 1996 y 2001 se encargó de la imagen del Festival
Internacional de Cine de San Sebastián (diseños con los que obtuvo dos
premios Key Art, galardones que otorga la revista Hollywood Reporter); Tiempo
después decide instalarse junto a Anna Obradors en Donostia; allí
entran en contacto con el mundo del cine, primero con realizadores
noveles como Santiago Segura, Alex de la Iglesia o Daniel Monzón, y
después con diversos organismos e instituciones. Tras la firma de los
carteles de La lengua asesina o Airbag, Art&Maña comienza a expandir sus actividades a toda la imagen comunicativa de una película: logotipos, carteles, pressbooks. En
un mundo, el del cine, en el que la expresión "lo quiero para ayer" no
es una forma de hablar, Toni Galindo era todo un lujo. No sólo hacía
gala de una extraordinaria capacidad de trabajar a toda máquina, sino
que siempre lo hacía bien y sin perder la sonrisa. Como buen miembro de
la generación pop nacida en los 60, era todo un experto en diversa
temática freak: consolas de videojuegos, Star Trek, Monty Python o La Hora Chanante.
Reid Miles
Reid Miles (1927 – 1993)
fue un diseñador gráfico que trabajó en Nueva York en la primera mitad
de los años 50 del siglo XX, fecha en que fue contratado por la editora
de discos de jazz Blue Note para diseñar las portadas de sus álbumes.
El
conocimiento y uso fotográfico de Miles le permitieron crear
portadas sorprendentes, diferenciando su trabajo del resto de
diseñadores. Su uso inteligente del color, ajustando sus diseños a
las restricciones presupuestarias y a las dificultades económicas de
un sello pequeño también le facilitaron la obtención de resultados
impresionantes. Por último, el estilo tipográfico de Miles se
convirtió en todo un sello de identidad de su trabajo. La
combinación de estos elementos hice de Reid Miles un diseñador
verdaderamente especial. Su legado no ha sido recuperado todavía, y
ha influenciado e inspirado a generaciones de diseñadores. Miles "definió el estilo musical de la música jazz".
Banksy
Banksy es el pseudónimo de un prolífico artista del street art británico.
Se cree que nació en Yate, localidad cercana a Bristol, en 1974, pero
los datos acerca de su identidad son inciertos y se desconocen detalles
de su biografía. Según Tristan Manco, Banksy "nació en 1974 y creció en
Bristol, Inglaterra. Hijo de un técnico de fotocopiadoras, se formó como
carnicero pero se vio implicado en el graffiti durante el boom del
aerosol en Bristol de finales de la década de 1980". Su trabajo, en su
gran mayoría piezas satíricas sobre política, cultura pop, moralidad y
etnias, combina escritura con graffiti con el uso
de estarcidos con plantilla(conocidos generalmente como stencils,
del inglés). Su arte urbano combina escritura con una técnica de
estarcido muy distintiva, similar aBlek le Rat, quien empezó a trabajar
con estarcidos en 1981 en París; y miembros de la banda de
anarco-punk Crass, que mantuvieron una campaña en las instalaciones del
metro de Londres a finales de la década de los setenta del siglo XX e
inicios de los ochenta. Banksy reconoció la influencia de Blek diciendo
"cada vez que creo que he pintado algo ligeramente original, me doy
cuenta de que Blek le Rat lo hizo mejor, sólo que veinte años
antes." Sus obras se han hecho populares al ser visibles en varias
ciudades del mundo, especialmente en Londres.
Información obtenidas de:
Wikipedia
Google imágenes
Internet
Beatriz Álvarez Martínez 4 D 11/12/12
Friday, December 14, 2012
Apuntes de diseño grafico
PINTURA RUPESTRE
Una pintura
rupestre es todo dibujo o boceto prehistórico existente en algunas rocas y cavernas. El
término «rupestre» deriva del latín rupestris,
y éste de rupes (roca). De modo que, en un sentido
estricto, rupestre haría referencia a cualquier actividad humana sobre las
paredes de cavernas, covachas, abrigos
rocosos e,
incluso farallones obarrancos,entre otros. Desde este
aspecto, es prácticamente imposible aislar las manifestaciones pictóricas de
otras representaciones del arte prehistórico como los grabados, las
esculturas y los petroglifos,
grabados sobre piedra mediante percusión o erosión. Al estar protegidas de la
erosión por la naturaleza del soporte, las pinturas rupestres han resistido el
pasar de los siglos.
EL ARTE EGIPCIO
El arte egipcio es, indudablemente, la manifestación artística que
más ha subyugado al hombre moderno.
La civilización egipcia no sólo creó una arquitectura, escultura y
pintura de impresionante belleza, sino también toda una cultura que ha hecho
soñar a investigadores, literatos y personas corrientes, donde se funde lo
histórico, lo mítico y lo misterioso.
El arte egipcio es un arte que está muy relacionado con el medio
en el que se desarrolla. Este medio influye en diferentes aspectos: por un lado
el medio geográfico determina una cultura cerrada que hace un arte impermeable
a influencias exteriores, que va a evolucionar poco y cuando lo va a hacer va a
ser sobre sus propias formas debido a la falta de comunicación con el exterior.
Por otro lado, el medio va a determinar unos materiales que nos
indican una despreocupación por la vida terrestre y un deseo de eternizar la
moral del difunto y del dios, por lo que el arte muchas veces está en función
de templos y tumbas. Esto está relacionado con los dos factores determinantes
del arte que también vienen dados por el medio: la monarquía y la religión.
Así, el faraón (y los nobles) y los sacerdotes van a ser
losprincipales clientes. Se trata de un arte aúlico y oficial, que se
desarrolla en virtud de la religión fundamentalmente, y a ésta está vinculado
el faraón. No es por tanto un arte autónomo.
El arte egipcio está siempre sometido a unas normas, por esto es
muy semejante y monótono, tan homogéneo. Es un arte estereotipado en el que se
valora más la precisión del acabado que la originalidad. Además, tienen un gran
carácter simbólico y mágico.
http://www.arteespana.com/arteegipcio.htm
ARTS AND CRAFTS
El movimiento Arts and Crafts ("Artes y Oficios" o también "Artes y Artesanías") 1 fue
una escuela artística que surgió en Inglaterra a mediados del siglo XIX, y que
se desarrolló en el Reino Unido 2 y
en los Estados Unidos 3 durante
la segunda mitad del [siglo XIX] y en los comienzos del siglo XX. William Morris creó este movimiento,
lenguaje o estilo como querais decirlo. Él acuñó el término y fue el miembro de
los prerrafaelistas más interesado en la manualidad, retomar el modo de hacer
de la edad media, huyendo de la revolución industrial. Tuvo una segunda
generación alrededor de 1880 y 1900. 4
Detalle de un dibujo de
William Morris y John Henry Dearle sobre una alfombra Bullerswood, c. 1889. Véase William Morris
Textiles, de Linda Parry, Nueva York, Viking Press, 1983, ISBN 0-670-77074-4, pp. 91-97.
El Arts & Crafts se asocia sobre todo con la
figura de William Morris,5 6 artesano,
impresor, diseñador, escritor, poeta, activista político y, en fin, hombre
polifacético que se ocupó de la recuperación de artes y oficios medievales,
renegando de las nacientes formas de producción en masa. Aparte de William
Morris, sus principales impulsores fueron Charles Robert Ashbee,
T. J. Cobden Sanderson, Walter Crane, Phoebe Anna Traquair, Herbert Tudor
Buckland, Charles Rennie
Mackintosh, Christopher Dresser,
Edwin Lutyens, Ernest Gimson, Gustav Stickley, y los artistas del movimiento prerrafaelita.
El movimiento revalorizó los oficios medievales,
en plena época victoriana,
con lo cual reivindicó la primacía del ser humano sobre la máquina, con la
filosofía de utilizar la tecnología
industrial al servicio
del hombre, pero potenciando
la creatividad y el arte frente a la producción en serie. En lo expresivo
se caracteriza por el uso de líneas serpenteadas y asimétricas, y constituyó
sobre todo unarte decorativo.
El referido se trató de un movimiento estético
reformista, que tuvo gran influencia sobre laarquitectura, las artes decorativas, y las artesanías británicas
y norteamericanas, e incluso influyó en el diseño de jardines.
En los Estados Unidos se usan las denominaciones Arts and Crafts movement, American Craftsman, American Craftsman Style o Craftsman
Style, para referirse al estilo arquitectónico y decorativo que predominó
entre los períodos del Art Nouveau (el modernismo) y el Art Decó, es decir, aproximadamente entre 1910
y 1925. Sostenía que cada objeto debería tener o retomar algo del pasado, pero
dándole un sentido elegante.
http://es.wikipedia.org/wiki/Arts_and_Crafts
LA BAUHAUS
Los antecedentes de la BAUHAUS se remontan al siglo XIX.
Comienzan con las devastadoras consecuencias que la creciente industrialización, primero
en Inglaterra y mas tarde también en Alemania, tuvo en las condiciones de vida
y en la producción de los artesanos la clase obrera.
El progreso tecnológico trajo consigo un cambio en las estructuras sociales, amplios sectores de la población se proletarizaron. Pero, de este modo se pudo racionalizar y abaratar la producción de bienes. Inglaterra se alzó en le siglo XIX como la potencia industrial mas prominente de Europa. En las grandes exposiciones universales, que desde 1851 exhibían los adelantos técnicos y culturales de las naciones, los ingleses estuvieron a la cabeza hasta bien entrados los noventas, siendo los indiscutibles vencedores.
Al
mismo tiempo, los ingleses habían reformado, ya desde los años cincuenta, los
procesos educativos para artesanos las Academias. Los alumnos tenían que
diseñar por si mismos en lugar de copiar modelos dados. Mientras el movimiento
de talleres de "Morris" representaba algo así como una utopía
realizada, fuertes intereses económicos respaldaban la reforma educativa.
Inglaterra quería mantener su liderazgo en el campo de las artes y oficios. En
los años siguientes se fundaron numerosos "gremios de artesanos", que
con frecuencia eran, además de gremios, comunas.
Lograr una cultura del pueblo y para el pueblo se convirtió en aquellos tiempos en el desafío de casi todos los movimientos culturales innovadores y apadrinó también la fundación de la Bauhaus.
Pero hasta la década de los noventa no ganó terreno en Alemania un segundo empuje reformador, importado de Inglaterra a través de Bélgica. Con él se introdujo el JUGENDSTIL (modernismo), que dominaría Europa Durante diez o quince años.
El progreso tecnológico trajo consigo un cambio en las estructuras sociales, amplios sectores de la población se proletarizaron. Pero, de este modo se pudo racionalizar y abaratar la producción de bienes. Inglaterra se alzó en le siglo XIX como la potencia industrial mas prominente de Europa. En las grandes exposiciones universales, que desde 1851 exhibían los adelantos técnicos y culturales de las naciones, los ingleses estuvieron a la cabeza hasta bien entrados los noventas, siendo los indiscutibles vencedores.

Lograr una cultura del pueblo y para el pueblo se convirtió en aquellos tiempos en el desafío de casi todos los movimientos culturales innovadores y apadrinó también la fundación de la Bauhaus.
Pero hasta la década de los noventa no ganó terreno en Alemania un segundo empuje reformador, importado de Inglaterra a través de Bélgica. Con él se introdujo el JUGENDSTIL (modernismo), que dominaría Europa Durante diez o quince años.
http://www.sitographics.com/conceptos/temas/estilos/bauhaus.html
Vasíli o Wassily
Kandinsky
Vasíli o Wassily
Kandinsky; Moscú, Rusia, 1866 - Neuilly-sur-Seine, 1944) Pintor de origen ruso,
nacionalizado alemán y posteriormente francés. Kandinsky compaginó sus estudios
de derecho y economía con clases de dibujo y pintura. Al tiempo que se
interesaba por la cultura primitiva y las manifestaciones artísticas populares
rusas, muy especialmente por el arte propio de la región de Volodga, rico en
ornamentos, también descubrió la obra de Rembrandt y Monet.
Cuando cumplió los
treinta años, Kandinsky abandonó la docencia y fue a estudiar pintura a Munich,
renunciando a un porvenir académico ya consolidado. En esta ciudad asistió a
las clases de F. Stuck y en ellas conoció a Paul Klee, con el que mantendría
una sincera y prolongada amistad. Su interés por el color está presente desde
el comienzo de su carrera, y se puede apreciar en sus primeras pinturas la influencia
del postimpresionismo, el fauvismo y el Jugendstil alemán.
Entre 1902 y 1907 Kandinsky realizó diferentes viajes a Francia, Países Bajos, Túnez, Italia y Rusia, para instalarse finalmente en Murnau, donde pintó una serie de paisajes alpinos entre los años 1908 y 1910. Tal como narra él mismo en su biografía, por entonces se dio cuenta de que la representación del objeto en sus pinturas era secundaria e incluso perjudicial y que la belleza de sus obras residía en la riqueza cromática y la simplificación formal.
Este descubrimiento le
condujo a una experimentación continuada que culminó, a finales de 1910, con la
conquista definitiva de la abstracción. Kandinsky refundió la libertad
cromática de los fauvistas con la exteriorización del impulso vivencial del
artista propuesto por los expresionistas alemanes de la órbita de Dresde, en
una especie de síntesis teñida de lirismo, espiritualidad y una profunda
fascinación por la naturaleza y sus formas.
Entre 1910 y 1914
Kandinsky pintó numerosas obras que agrupó en tres categorías: las impresiones,
inspiradas en la naturaleza; las improvisaciones, expresión de emociones
interiores; y las composiciones, que aunaban lo intuitivo con el más exigente
rigor compositivo. Estos cuadros se caracterizan por la articulación de gruesas
líneas negras con vivos colores y en ellos se percibe todavía un poco la
presencia de la realidad.
Ludwig Mies van der Roh
e nació el 27 de marzo de 1886 en la ciudad de
Aquisgrán (Alemania), hijo de Michael y Amalie (Rohe), como cuarto hijo de una
familia católica. En 1900 empezó a trabajar en el taller de escultura de
piedras de su padre y en 1905 se trasladó a Berlín para
colaborar en el estudio de arquitectura de Bruno Paul.
En 1907 realiza su primera obra, la casa Riehl.
De 1908 a 1911 trabajó en el despacho de Peter Behrens, del cual, Mies desarrolló un
estilo arquitectónico basado en técnicas estructurales avanzadas y en el
clasicismo prusiano. También realizó diseños innovadores con acero y
vidrio. En 1911 dirigió la construcción de la embajada alemana en San Petersburgo. En ese mismo año se mudó a La Haya y
planificó una casa de campo para el matrimonio Kröller-Müller.
m.c. escher
No fue precisamente un estudiante brillante, y
sólo llegó a destacar en las clases de dibujo. En 1919 y bajo presión paterna empieza los
estudios de arquitectura en la Escuela de Arquitectura y Artes Decorativas de Haarlem, estudios que abandonó poco después
para pasar como discípulo de un profesor de artes gráficas, Jessurum de
Mesquitas. Adquirió unos buenos conocimientos básicos de dibujo, y destacó
sobremanera en la técnica de grabado en madera, la cual llegó a dominar con gran
maestría.
Entre 1922 y 1935 se traslada a Italia donde
realiza diversos bocetos y grabados principalmente de temas paisajistas.
Abandona Italia debido al clima político de aquellas fechas, trasladándose a Suiza,
y pasó algunos años allí, cuyo clima le resultó muy desagradable y poco
inspirador. Añora el sur de Italia y lo
frecuenta repetidas veces. También viaja a España, y en particular a Granada. Visita
dos veces la Alhambra, la segunda vez de forma más
detenida, copiando numerosos motivos ornamentales. Lo que aprendió allí tendría
fuertes influencias en muchos de sus trabajos, especialmente en los
relacionados con la partición regular del plano y el uso de patrones que
rellenan el espacio sin dejar ningún hueco.
En 1941 se muda a Ladberd
del Roso, Países Bajos, después de una estancia difícil en Bélgica (era
la 2ª Guerra Mundial).
Parece que debido al habitual mal tiempo de esa región, donde los días soleados
se consideran una bendición, es por lo que abandona los motivos paisajísticos
como modelos y se centra más en su propia mente, encontrando en ella una
potentísima fuente de inspiración. Hasta 1951 vivió básicamente dependiendo
económicamente de sus padres. A partir de entonces fue cuando comenzó a vender
sus grabados y obtener un buen dinero por ellos. Esto le permitió vivir sus
últimos años con una economía personal excelente. Generalmente hacía copias de
las litografías y grabados por encargo. También hizo por encargo diseños de
sellos, portadas de libros, y algunas esculturas en marfil y madera. En cierto
modo le resulta gratificante y a la vez fácil, y se admiraba de tener en su
taller una especie de «máquina de fabricar billetes» reproduciendo sus propias
obras. Normalmente no usaba elementos de obras anteriores en las nuevas,
excepto en los encargos especiales. Hacía, por ejemplo, esculturas en madera
basadas en algunos de sus dibujos, y para algunas peticiones especiales
reciclaba parte de las ideas y elementos de obras anteriores.Quizás por ello en
este período su producción sea tan fructífera y regular, y sólo se verá
interrumpida por la operación que sufrió en 1962,
consecuencia de su debilitada salud. En 1969 con 71 años realiza su grabado
"Serpientes" donde demuestra sus facultades a pesar de su avanzada
edad.
En 1970 se traslada a la Casa Rosa Spier de
Laren, al norte de los Países Bajos, donde los artistas podían tener estudio
propio. En esa ciudad fallece dos años más tarde, el 27 de marzo de 1972 a la edad de 74 años.
Paul klee
Klee nació en Münchenbuchsee, cerca de Berna, Suiza,
en una familia de músicos, de padre alemán y madre suiza. De su
padre obtuvo la ciudadanía alemana, que usaría toda su vida, dado que Suiza se
negó a darle ciudadanía durante su exilio en ese país durante la persecución nazi.
Estudió arte en Múnich con Heinrich
Knirr y Franz von Stuck. A sus diecisiete años pintó
la tinta "Mi Habitación" (1896), mostrada a continuación:
Esta Pieza se conserva ahora en el acervo de la fundación
Klee
Klee trabajaba en óleo, acuarela, tinta y otros materiales, generalmente
combinándolos en un solo trabajo. Sus cuadros frecuentemente
aluden a la poesía, la música y
los sueños, y a veces incluyen palabras o notas musicales.
Al regresar de un viaje a Italia, se asentó en Múnich, donde conoció a Vasili Kandinski, Franz Marc y
otras figuras de vanguardia, y se asoció alBlaue Reiter.
Piet Mondrian
Pintor
holandés que llevó el arte abstracto hasta sus últimas consecuencias. Por medio
de una simplificación radical, tanto en la composición como en el colorido,
intentaba exponer los principios básicos que subyacen a la apariencia. Nació en
Amersfoort (Holanda) el 7 de marzo de 1872 y su nombre verdadero era Pieter
Cornelis Mondriaan. Decidió emprender la carrera artística a pesar de la
oposición familiar y estudió en la Academia de Bellas Artes de Amsterdam. Sus
primeras obras, hasta 1907, eran paisajes serenos, pintados en grises
delicados, malvas y verdes oscuros. En 1908, bajo la influencia del pintor
neerlandés Jan Toorop, comenzó a experimentar con colores más brillantes, fue
el punto de partida de sus intentos por trascender la naturaleza. Se trasladó a
París en 1911, donde adoptó el estilo cubista y realizó series analíticas como
Árboles (1912-1913) y Andamios (1912-1914). Poco a poco se fue alejando del
seminaturalismo para internarse en la abstracción y llegar por fin a un estilo
en el que se autolimitó a pintar con finos trazos verticales y horizontales. En
1917 junto con su compatriota, el pintor Theo van Doesburg fundó la revista De
Stijl, en la que Mondrian desarrolló su teoría sobre las nuevas formas
artísticas que denominó neoplasticismo. Sostenía que el arte no debía
implicarse en la reproducción de imágenes de objetos reales, sino expresar
únicamente lo absoluto y universal que se oculta tras la realidad. Rechazaba
las cualidades sensoriales de textura, superficie y color y redujo su paleta a
los colores primarios. Su creencia de que un lienzo, es decir una superficie
plana, sólo debe contener elementos planos, implicaba la eliminación de toda
línea curva y admitió únicamente las líneas rectas y los ángulos rectos. La
aplicación de sus teorías le condujo a realizar obras como Composición en rojo,
amarillo y azul (1921, Gemeentemuseum), en la que la pintura, compuesta sólo
por unas cuantas líneas y algunos bloques de color bien equilibrados, crea un
efecto monumental a pesar de la escasez de los medios, voluntariamente
limitados, que emplea. Cuando se trasladó a Nueva York en 1940, su estilo había
logrado una mayor libertad y un ritmo más vivo. Abandonó la severidad de las
líneas en negro para yuxtaponer áreas de colores brillantes, como puede verse
claramente en la última obra que dejó acabada, Broadway Boogie-Woogie
(1942-1943, Museo de Arte Moderno, Nueva York, MOMA). Mondrian ha sido uno de
los artistas de mayor repercusión en el siglo XX. Sus teorías sobre la
abstracción y la simplicidad no sólo alteraron el curso de la pintura, sino que
tuvieron una profunda influencia en la arquitectura, el diseño industrial y las
artes gráficas. Murió el 1 de febrero de 1944 en Nueva York.
Raymond Loewy
Loewy, nació en París en 1893, hijo de
Maximiliano Loewy, periodista vienés, y su esposa francesa, Marie Labalme. Un logro temprano fue el diseño de un
exitoso modelo de avión , que luego ganó la Gordon Bennett Copa en 1908. Al año siguiente, fue la venta del
avión, llamado el Ayrel . Sirvió en el ejército francés durante la Primera
Guerra Mundial, alcanzando el rango de capitán. Loewy fue herido en combate y
recibió la Cruz de
Guerra .Abordó un
barco a América en 1919 con sólo su uniforme de oficial francés y $ 50 en el
bolsillo. [ cita requerida ]
En los primeros años Loewy en los EE.UU., vivió
en Nueva York y encontró trabajo como diseñador de ventana para grandes almacenes , incluyendoMacy , de Wanamaker y Saks ,
además de trabajar como una moda ilustrador para
la revista Vogue y Harpers Bazaar . En
1929 recibió su primer diseño industrial comisión para contemporizar el aspecto
de una máquina duplicadora de Gestetner . Otras comisiones siguieron, incluyendo
el trabajo para Westinghouse , la empresa Hupp Motor (el Hupmobile estilo),
y el estilo del refrigerador Coldspot [ 2 ] para Sears-Roebuck . Era
este producto que estableció su reputación como diseñador industrial. Abrió una oficina en Londres a
mediados de la década de 1930. Sigue
siendo activa. [ 3 ]
Saul Bass (8 de mayo de 1920 - 25 de abril de 1996)
fue un
reconocido diseñador gráfico estadounidense, mejor conocido por su
trabajo en la industria cinematográfica y en el diseño de algunas de las
identidades corporativas más importantes de Estados Unidos.
Saul Bass nació en el Bronx,
en 1920. Desde pequeño fue muy creativo y pasaba muchas horas del día
dibujando. Bass estudió en el estudio de Artes League en Nueva York y después
en el Colegio de Brooklyn. En éste último fue su maestro Gyorgy
Kepes, un diseñador gráfico húngaro que había trabajado con László Moholy-Nagy en Berlín antes
de emigrar a los Estados Unidos. Kepes fue el que introdujo a
Saul Bass al estilo Bauhaus de Moholy y al constructivismo ruso.
Después de trabajar en varias agencias de diseño
de Nueva York, Bass trabajó de forma
independiente como diseñador gráfico (o “artista comercial” como comúnmente se
les llamaba). Decidió mudarse a Los Ángeles en 1946,
debido a que en Nueva York encontraba muchos impedimentos para desarrollarse
creativamente. Abrió su propio estudio en 1950, dedicado principalmente a la
publicidad, hasta que Otto Preminger lo invitó a diseñar el póster para su
película Carmen Jones (1954).
A éste le impresionó tanto el trabajo de Bass, que le pidió que diseñara también
la secuencia de los títulos de la película. Luego siguió el diseño de títulos
de las películas The Big Knife de Robert Aldrich y The Seven Year Itch (La Tentación Vive Arriba) de
Billy Wilder. Pero fue en el siguiente proyecto de Preminger, The Man with the Golden Arm (El Hombre del Brazo de Oro),
en donde Bass se reveló como un maestro del diseño de títulos de crédito de
películas.
Bass siguió su camino en el mundo del diseño en
el cine. Martin Scorsese lo reconocía ampliamente. Colaboró con Alfred Hitchcock y hasta participó en la famosa
película Psicosis durante
la escena de la ducha, de la que se dice que él fue el responsable del Story
board, aunque Hitchcock nunca lo reconoció. Junto con su segunda esposa,
Elaine, diseñó títulos para otros directores. Luego dirigió varios
cortometrajes, como The
Searching Eye (1964), From
Here to There (1964) y Why Man
Creates (1968) con la
que ganó un Óscar. Finalmente realizó una película como director en 1974,
llamada Phase IV.
Después regresó al diseño gráfico comercial.
Entre los más exitosos están los emblemas de AT&T, United Airlines, Minolta, Bell,
y Warner Communications.
Diseñó también el póster para los Juegos Olímpicos de Los Ángeles en 1984.
Hasta el final de su vida siguió colaborando con
su ídolo Martin Scorsese en Goodfellas, Cape Fear (El
Cabo del Miedo), The Age of Innocence (La Edad de la Inocencia) y Casino en los años 90.
Saul Bass falleció en 1996.
es.wikipedia.org/wiki/Saul_Bass
Reid Miles
Desde 1939, año en el que un joven diseñador de 23 años creara
la primera portada ilustrada para Columbia, la industria discográfica se dio
cuenta de la importancia de cada aspecto de un disco. Desde la música hasta el
packaging, pasando por la fotografía y el diseño de portadas, cualquier detalle
por más nimio que fuese, iba a ser crucial si un sello quería tener éxito. La
repercusión tuvo tal respuesta entre el público que todos los sellos
discográficos empezaron a contratar diseñadores gráficos, fotógrafos y
directores de arte.
Posiblemente el más influyente e innovador de todos fue el
principal responsable del diseño de Blue Note entre 1956 y 1967: Reid Miles.
Igual que Miles Davis redefinió el estilo musical de la música jazz, Reid Miles
tiene el honor de haber creado una nueva perspectiva en el diseño con un
trabajo tan estilizado y reconocible como el mismísimo timbre de la trompeta de
Davis o la inconfundible voz de Billie Holiday. El uso de bitonos, el
reencuadre, la selección y manipulación fotográfica (durante tiempo junto a
Francis Wolff) y sobre todo la inagotable creatividad tipográfica conviertieron
a Reid en un adelantado a su tiempo. Con la venta de Blue Note en 1971, Miles se retiró del diseño gráfico para
comenzar una nueva carrera de fotógrafo en Los Ángeles; una carrera que le
acompañaría hasta su muerte en 1993.
Acompaño la siguiente recopilación de sus trabajos con el vídeo
homenaje que el director Bante rindió al maestro animando algunos de sus
sorprendentes, simples y atemporales diseños.
retroriff.com/blog/reid-miles/
Tony Galindo
nació el 21 de marzo de 1962. Fue autor
de carteles para promocionar películas y para
grandes festivales cinematográficos. Falleció en Barcelona ayer jueves 11 de
mayo.No se puede entender la imagen del cine español de los últimos diez años
sin Toni Galindo, diseñador gráfico que ayer fallecía en Barcelona a la edad de
44 años. Bajo la firma de Art&Maña, nombre de la empresa que regentaba junto
a su compañera Ana Obradors, Toni diseñó la imagen gráfica de grandes éxitos
como Mar Adentro, La Gran Aventura de Mortadelo y Filemón o Los Otros. En su faceta como autor de carteles
para festivales de cine diseñó para Sitges, Semana de Cine Fantástico y de
Terror de San Sebastián, Gijón o Manresa. Entre 1996 y 2001 se encargó de la
imagen del Festival Internacional de Cine de San Sebastián (diseños con los que
obtuvo dos premios Key Art, galardones que otorga la revista Hollywood
Reporter); la extraña
casualidad ha querido que precisamente hoy se presente el cartel de la próxima
edición de dicho Festival, también firmado por Art&Maña.
Toni Galindo, dibujante autodidacta, era
licenciado en Ciencias de la Información, primero en la especialidad de Periodismo
y después en la de Publicidad, aunque nunca dejó de lado su interés por otras
artes como la escultura o el cómic. Tras colaborar como dibujante en el diarioRegió7 trabajó
como diseñador freelance, también de forma autodidacta, para
varias empresas. Tiempo después decide instalarse junto a Anna Obradors en
Donostia; allí entran en contacto con el mundo del cine, primero con
realizadores noveles como Santiago Segura, Alex de la Iglesia o Daniel Monzón,
y después con diversos organismos e instituciones. Tras la firma de los
carteles de La lengua asesina o Airbag, Art&Maña
comienza a expandir sus actividades a toda la imagen comunicativa de una
película: logotipos, carteles, pressbooks
[puntual publicación sobre una película que se
edita para informar a la prensa], páginas web, regalos promocionales o
cualquier soporte utilizado para anunciar y difundir un largometraje.
Directores como Montxo Armendáriz, con quien trabajó en tres títulos, Alejandro
Amenábar, Javier Fesser o Julio Médem saben del buen hacer de Art&Maña.
En un mundo, el del cine, en el que la expresión
"lo quiero para ayer" no es una forma de hablar, Toni Galindo era
todo un lujo. No sólo hacía gala de una extraordinaria capacidad de trabajar a
toda máquina, sino que siempre lo hacía bien y sin perder la sonrisa. Como buen
miembro de la generación pop nacida en los 60, era todo un experto en diversa
temática freak: consolas
de videojuegos, Star Trek, Monty Python o La Hora Chanante.-
Se cree que nació en Yate,
localidad cercana a Bristol, en 1974,
pero los datos acerca de su identidad son inciertos y se desconocen detalles de
su biografía. Según Tristan
Manco, Banksy "nació en 1974 y creció en Bristol, Inglaterra.
Hijo de un técnico de fotocopiadoras, se formó como carnicero pero se vio
implicado en el graffiti durante el boom del aerosol en Bristol de finales de
la década de 1980". Su trabajo, en su gran mayoría piezas satíricas sobre política, cultura pop, moralidad y etnias, combina escritura con
graffiti con el uso de estarcidos con plantilla(conocidos generalmente como stencils,
del inglés). Su arte urbano combina escritura con una técnica de estarcido muy
distintiva, similar aBlek le Rat, quien
empezó a trabajar con estarcidos en 1981 en París; y miembros de la banda de
anarco-punk Crass,
que mantuvieron una campaña en las instalaciones del metro de Londres a finales
de la década de los setenta del siglo XX e inicios de los ochenta. Banksy
reconoció la influencia de Blek diciendo "cada vez que creo que he pintado
algo ligeramente original, me doy cuenta de que Blek le Rat lo hizo mejor, sólo
que veinte años antes."1 Sus obras se han hecho populares al
ser visibles en varias ciudades del mundo, especialmente en Londres.
Recientemente se publicó el libro “Freedom Through Football: The Story Of The Easton
Cowboys & Cowgirls” en
donde se confirma la primera fotografía tomada a Banksy mientras realizaba un
graffiti en Chiapas, México en 2001.
MARIA GARCIA VALLAURE 4º D
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