Atención alumnos 1 bachillerato dibujo técnico

cuadernodedibujotecnico.blogspot.com.es/2009/09/ejercicios-de-1-de-bachillerato.html


En el anterior enlace encontraréis unos ejercicios muy utiles para vosotros.

Trabajo - Diseño de una casa. Fases

Queridos Alumnos
ya sabréis que no nos vamos a ver en varios días, así que, mientras llega otro profesor, el curso no se para y hay trabajo por hacer.
Tenéis que diseñar vuestra casa, máximo dos plantas. Escala 1/50, es decir, cada cm. de vuestro dibujo representa 50 cms. en la realidad. Dibujad la planta sola, en una lámina DIN A-3 de vuestro bloc de dibujo, esas dimensiones del papel son vuestro límite. Por supuesto, con escuadra y cartabón, y si alguien quiere utilizar un paralex o tecnígrafo, no hay problema. NO SE PUEDEN UTILIZAR SISTEMAS DE DISEÑO ASISTIDO POR ORDENADOR, todo será dibujado "a mano". Si es de dos plantas, os permito utilizar papel vegetal para hacer la transparencia.
Mañana voy a compartir con vosotros en el drive de gmail un plano, por si lo queréis utilizar de referencia.
Utilizad lapiceros duros, HB, y como mínimo 2H. Podéis usar estilógrafos tipo Pilot pero no es obligatorio

Estad atentos a este blog, cada poco os iré perfilando y añadiendo tareas.

Trabajo de los pintores Jackson Pollock y Lee Krasner

Paul Jackson Pollock (28 de enero de 1912, Cody, Wyoming, Estados Unidos - 11 de agosto de 1956 Springs, Nueva York, Estados Unidos) fue un influyente artista estadounidense y un referente en el movimiento del expresionismo abstracto. Considerado uno de los pintores más importantes de los Estados Unidos en el siglo XX.
Después de vivir su infancia y adolescencia en Cody, se mudó en 1929 a Nueva York, donde estudió en la Art Students League con el pintor Thomas Hart Benton.
Su trabajo, al ser ampliamente reseñado por el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MOMA), empezó a ser relacionado con el surrealismo. Los críticos del momento, tuvieron que empezar a relacionar su obra de una u otra manera con el «automatismo», en una escritura automática que pretende reflejar los fenómenos psíquicos que tienen lugar en el interior del artista. Entre 1935 y 1943 trabajó para la WPA y pintó bajo la influencia de Picasso, el surrealismo y el psicoanálisis jungiano que usó como terapia contra su alcoholismo. En 1936 tuvo ocasión de trabajar en el taller experimental del muralista David Alfaro Siqueiros, usando pintura con bomba de aire y con aerógrafo, así como pigmentos sintéticos industriales. Desde 1938 hasta 1942 trabajó para el Federal Art Project (Proyecto de Arte Federal). Pero en el caso de Pollock, hubo otras fuentes de inspiración añadidas. Así, la cultura de los indios de Norteamérica, con sus formas simbólicas y sus pinturas de arena. Esto le llevó también a probar otros materiales, como el barniz, el aluminio o los esmaltes sintéticos entre otros.
El pintor se casó con la pintora Lee Krasner en 1945, la cual le brindó todo su apoyo siempre, a pesar de las adversidades, y de los múltiples vicios de Pollock.
Jackson Pollock se caracteriza en su dimensión artística, entre otras cosas, por ser uno de los renovadores del concepto de la plasmación gráfica a través de una serie de técnicas de tratamiento de la pintura no experimentadas hasta entonces, y la teorización fundamentada y racional que conlleva la explicación del desarrollo de la abstracción en la realización de sus trabajos. Toda esta dimensión creada por Pollock fue la precursora del nacimiento del Expresionismo Abstracto como rama artística de gran peso entre la década de los 40 y 60.
Lee Krasner nació el 28 de Octubre de de 1908 - 19 de Junio de 1984 fue una influyente artista del expresionismo abstracto en la segunda mitad del siglo 20.
Nació en Brooklyn, Nueva York . Su verdadero nombre era Lena Krasner, y era la sexta hija de un matrimonio de inmigrantes judíos procedentes de Rusia.
Krasner estudió con Hans Hofmann a partir de 1937. Hofmann mostró a Krasner la obra de Picasso, Matisse y otros pintores abstractos europeos, lo que ejerció una gran influencia sobre ella. En 1940, comenzó a exponer con un grupo de pintores norteamericanos, estableciendo el Expresionismo abstracto.
En 1945, Krasner contrajo matrimonio con el artista Jackson Pollock, también influenciado por el mismo movimiento artístico.
Murió a la edad de 75 años en 1984.

Este es uno de sus cuadros mas conocidos:

 

Beatriz Álvarez y Álvaro Torres Bravo 4D

Apuntes diseño gráfico

Apuntes diseño grafico
Tipo de diseño cuya función es comunicar mensajes visuales a través de diferentes soportes (libros, revistas, portadas de discos, diseño de envases, cualquier tipo de publicidad, imágenes corporativas, carteles, marcas comerciales etc) y medios de comunicación de masas (televisión, cine, prensa, internet, etc)
Sus características son :
 - Uso de módulos básicos
 - Repetición como ritmo hasta el infinito
 - Geometría o/y formas orgánicas
 - Uso inteligente del color
 - Crear una composición
 - Elección de las fuentes (letras) más adecuadas
Antecedentes del diseño gráfico son el Arte Rupestre y el Arte Egipcio

Arte Rupestre

No existe consenso sobre el nacimiento del diseño gráfico, algunos opinan que fue en el período de entre guerras, otros que tendría sus inicios a fines del siglo XIX. Otros más extremos lo sitúan en las pinturas rupestres del Paleolítico, y algunos piensan que nace junto con el lenguaje escrito.

Esta diversidad se debe a que puede considerarse como producto del diseño gráfico a toda manifestación gráfica. Pero por otra parte, se clasifica únicamente a las manifestaciones que surgen como resultado de aplicar el modelo industrial de producción, o sea, manifestaciones visuales que fueron proyectadas y que contemplen diversas necesidades, productivas, simbólicas, contextuales, ergonómicas, etc.

Se conoce como arte rupestre a los rastros de actividad humana o imágenes que han sido grabadas o pintadas sobre superficies rocosas.

En su paso por el mundo, el hombre ha dejado plasmadas en cuevas, piedras y paredes rocosas, innumerables representaciones de animales, plantas u objetos; escenas de la vida cotidiana, signos y figuraciones geométricas, etc., obras consideradas entre las más antiguas manifestaciones de su destreza y pensamiento. Antes del desarrollo de la escritura, las sociedades humanas posiblemente registraban ya, mediante la pintura y el grabado en piedras, una gran parte de sus vivencias, pensamientos y creencias.

  Arte Egipcio

El arte egipcio es, indudablemente, la manifestación artística que más ha subyugado al hombre moderno.

La civilización egipcia no sólo creó una arquitectura, escultura y pintura de impresionante belleza, sino también toda una cultura que ha hecho soñar a investigadores, literatos y personas corrientes, donde se funde lo histórico, lo mítico y lo misterioso.
El arte egipcio es un arte que está muy relacionado con el medio en el que se desarrolla. Este medio influye en diferentes aspectos: por un lado el medio geográfico determina una cultura cerrada que hace un arte impermeable a influencias exteriores, que va a evolucionar poco y cuando lo va a hacer va a ser sobre sus propias formas debido a la falta de comunicación con el exterior.

Épocas

Arts and Crafts

Movimiento artístico de finales del S. XII, nace en Inglaterra y se extiende a principios del S. XX por todo  EE.UU
- William Morris (Clay Hill 

Walthamstow, Inglaterra, 24 de marzo de 1834 - 3 de octubre de 1896) fue un artesano, impresor, poeta, escritor, activista político, pintor y diseñador británico, fundador del movimiento Arts and Crafts., insta la recuperación de los oficios medievales; ebanista, vidriera, joyero, etc.
- Es un movimiento contracultural
- El movimiento revindicó los oficios medievales en plena época victoriana, revindicando así la primorcia del ser humando sobre la máquina y siendo un movimiento en principio contracultural. Oponía la creatividad y el arte a la producción en serie. Se caracteriza por el uso de la producción en serie. Se caracteriza por el uso de líneas serpeadas y asimétricas constituyendo sobre todo un arte decorativo.
- Se trató de un movimiento estético reformista que tuvo gran influencia en la arquitectura, las artes decorativas y las artesanías británicas y norteamericanas e incluso en el diseño de jardines.
 Bases del diseño gráfico
 - Arts and Crafts = Modernismo (del cual sale el Art Decó)

 Uno de los cartelistas más importantes de todos los tiempos es Heuri de Toulousse-Lautrec Henri Marie Raymond de Toulouse-Lautrec (Albi, 24 de noviembre de 1864 - Saint-André-du-Bois, 9 de septiembre de 1901), conocido simplemente como Toulouse Lautrec, fue un pintor y cartelista francés que se destacó por su representación de la vida nocturna parisiense de finales del siglo XIX. Se le enmarca en la generación del posimpresionísmo. Su infancia fue feliz a pesar de que padeció una enfermedad que afectaba al desarrollo de los huesos y que comenzó a manifestarse en él en 1874. Su constitución ósea era débil y entre mayo de 1878 y agosto de 1879 sufrió dos fracturas en los fémures de ambas piernas, que le impidieron crecer más, alcanzando una altura de 1,52 m.
Entre sus obras podemos destacar:

• Autorretrato ante el espejo (óleo sobre cartón, 1880).
• Lacayo de caballerías con dos caballos (óleo sobre cartón, 1880).
• El Conde Alphonse de Toulouse-Lautrec conduce su coche de cuatro caballos (óleo sobre tela, 1881).

• El inglés en el Moulin Rouge (óleo y gouache sobre cartón, 1892)

 La Bauhaus

- La Staatliche Bauhaus (Casa de la Construcción Estatal) o simplemente la Bauhaus, fue la escuela de artesanía, diseño, arte y arquitectura fundada en 1919 por Walter Gropius en Weimar (Alemania) y cerrada por las autoridades prusianas (en manos del partido nazi) en el año 1933. El nombre Bauhaus deriva de la unión de las palabras en alemán Bau que conlleva el trash, "de la construcción", y Haus.|., "casa"; irónicamente, a pesar de su nombre y del hecho de que su fundador fue un arquitecto, la Bauhaus no tuvo un departamento de arquitectura en los primeros años de su existencia.

Sus propuestas y declaraciones de intenciones participaban de la idea de una necesaria reforma de las enseñanzas artísticas como base para una consiguiente transformación de la sociedad burguesa de la época, de acuerdo con el pensamiento socialista de su fundador. La primera fase (1919-1923) fue idealista y romántica, la segunda (1923-1925) mucho más racionalista y en la tercera (1925-1929) alcanzó su mayor reconocimiento, coincidiendo con su traslado de Weimar a Dessau. En 1930, bajo la dirección de Mies van der Rohe, se trasladó a Berlín donde cambió por completo la orientación de su programa de enseñanza.

Arquitectos, escultores, pintores, ... debemos regresar al trabajo manual ... Establezcamos, por lo tanto, una nueva cofradía de artesanos, libres de esa arrogancia que divide a las clases sociales y que busca erigir una barrera infranqueable entre los artesanos y los artistas.

Walter Gropius

 - La Bauhaus sentó las bases normativas y patrones de lo que hoy conocemos como diseño industrial y gráfico; puede decirse que antes de la existencia de la Bauhaus estas dos profesiones no existían tal cual y fueron concebidas dentro de esta escuela. Sin duda la escuela estableció los fundamentos académicos sobre los cuales se basaría en gran medida una de las tendencias más predominantes de la nueva Arquitectura Moderna, incorporando una nueva estética que abarcaría todos los ámbitos de la vida cotidiana: desde la silla en la que usted se sienta hasta la página que está leyendo (Heinrich von Eckardt). Dada su importancia las obras de la Bauhaus en Weimar y Dessau fueron declaradas como Patrimonio de la Humanidad por la Unesco en el año 1996. Uno de los principios establecidos por la Bauhaus desde su fundación es "La forma sigue a la función".
La fundación de la Bauhaus se produjo en un momento de crisis del pensamiento moderno y la racionalidad técnica occidental en el conjunto de Europa y particularmente en Alemania. Su creación se debió a la confluencia de un conjunto de desarrollo político, social, educativo y artístico en las dos primeras décadas del siglo XX, cuya especificidad está dada por las vanguardias artísticas de comienzo de siglo.

Vassily Kandinsky

  Wassily Kandinsky (Moscú, 4 diciembre 1866- 13 diciembre 1944, Neully-sur-Seine) fue un importante pintor ruso, nacionalizado alemán y posteriormente francés. Realizó estudios en derecho y de dibujo y pintura. Mostró interés por la cultura primitiva y el arte popular ruso, centrándose en el arte de Volodga, profuso en ornamentación. Estudia la obra de Rembrandt y Monet.

A los 30 años, Kandisnky se radica en Munich para estudiar pintura, abandonando la docencia académica. Asiste al taller de F. Stuck, donde conoce a Paul Klee. El color atrae a Kandinsky. En el comienzo tiene influencias del postmodernismo, fauvismo y el Jugendstil alemán.
Entre 1902-1907, viajó por Francia, Túnes, Países Bajos, Italia, Rusia. Finalmente se instala en Murnau (Baviera), allí pintó la serie de paisajes alpinos entre 1908-1910. Es en ese momento que comprende la importancia cromática y la simplificación formal que focaliza su obra.
Su descubrimiento lo llevó a una experimentación que terminó a fines de 1910, con la abstracción. Combinó la libertad cromática de los fauvistas con la exteriorización del impulso vivencial.
En 1913 una obra suya se presenta en el Armory Show de Nueva York y, al estallar la Primera Guerra Mundial, vuelve a Rusia, instalándose en Moscú, hasta 1921.

Entre 1910-1914, realizó una serie de pinturas, las cuales agrupó en tres categorías:

• Las impresiones, inspiradas en la naturaleza
• Las improvisaciones, que expresan las emociones interiores
• Las composiciones, conjugan lo intuitivo con el rigor compositivo.
La característica de estas obras está en la articulación de gruesas líneas negras con colores vivos. Aún mantienen cierta presencia de la realidad.

En 1922 se traslada a Weimar (Alemania), donde imparte clases teóricas para la Escuela de La Bauhaus En 1926 se publica su libro  Contribución al análisis de los elementos pictóricos. Una continuación orgánica de su trabajo anterior De lo espiritual en el arte. Permanecerá en la Bauhaus hasta el año 1933 cuando Rleich clausura la institución.

Desde 1933 se establece en París donde continuará su carrera como artista hasta su fallecimiento en 1944, a los 78 años de edad, en Neuilly-sur-Seine (Francia).

Mies Van Der Rohe

Ludwig Mies van der Rohe nació el 27 de marzo de 1886 en la ciudad de Aquisgrán (Alemania), hijo de Michael y Amalie (Rohe), como cuarto hijo de una familia católica. En 1900 empezó a trabajar en el taller de escultura de piedras de su padre y en 1905 se trasladó a Berlín para colaborar en el estudio de arquitectura de Bruno Paul.

En 1907 realiza su primera obra, la casa Riehl. De 1908 a 1911 trabajó en el despacho de Peter Behrens, del cual, Mies desarrolló un estilo arquitectónico basado en técnicas estructurales avanzadas y en el clasicismo prusiano. También realizó diseños innovadores con acero y vidrio. En 1911 dirigió la construcción de la embajada alemana en San Petersburgo. En ese mismo año se mudó a La Haya y planificó una casa de campo para el matrimonio Kröller-Müller.

“Menos es mas”, es la mejor manera de entender la arquitectura de Ludwing Mies van der Rohe. Su arquitectura se caracteriza en su impactante aparente simplicidad, en el amor y comprensión que refleja en la utilización de los materiales y en su minima ornamentación.  Mies fue un profeta de la arquitectura, que es solo un modo de decir que fue muy influyente, en pocas palabras, empezó a darle forma a nuestro futuro dejando su huella.
Entre sus obras más emblemáticas de esta etapa destaca el Edificio Seagram (1958), un rascacielos de 37 pisos de vidrio y bronce construido en Nueva York junto a su discípulo Philip Johnson.

M.C Escher

Maurits Cornelis Escher, más conocido como M. C. Escher (Leeuwarden, Países Bajos, 17 de junio de 1898 - Hilversum, Países Bajos, 27 de marzo de 1972), artista holandés, conocido por sus grabados en madera, xilografías y litografías que tratan sobre figuras imposibles, teselados y mundos imaginarios.

Su obra experimenta con diversos métodos de representar (en dibujos de 2 ó 3 dimensiones) espacios paradójicos que desafían a los modos habituales de representación.

Escher, es uno de los más grandes artistas gráficos del siglo XX. Tal vez la mejor definición que se ha dado de él sea la de«uno de los más reconocibles y admirados por el gran público». Esto viene a decir que muchas personas admiran y encuentran curiosos, intrigantes y bonitos sus trabajos, aunque al principio no sepan muy bien de quién son ni conozcan realmente al autor o la época en que fueron creados.

Sus más populares obras, figuras imposibles, fondos reticulados con diversos patrones y mundos imaginarios han sido reproducidas hasta la saciedad en portadas de libros, revistas, campañas publicitarias y en todo tipo de formatos. Es en cierto modo, uno de los artistas más referenciados en la «cultura popular» del siglo XX.

Dado que sus obras guardan ciertas similitudes entre sí debido a la recurrencia de los temas tratados (las figuras imposibles, las metamorfosis) son fácilmente «reconocibles» para el observador interesado, que a veces acaba descubriendo al artista tras haberse encontrado previamente con gran parte de su obra.

Su obra ha interesado a muchos matemáticos.Tal vez el carácter matemático de sus obras ha hecho también que sea uno de los artistas más populares en los entornos científicos, especialmente matemáticos e informáticos. Curiosamente, sus conocimientos matemáticos siempre fueron muy limitados. Muchas de las conclusiones gráficas y matemáticas a las que llegó, que le permitirían realizar algunos de sus trabajos, tuvo que descubrirlas por sí mismo.

Las obras más conocidas de Escher son después de las figuras imposibles, los ciclos, metamorfosis y, directa o indirectamente, sus diversos trabajos sobre la estructura de la superficie y la partición regular del plano (patrones que rellenan el plano o teselado).

El análisis de sus obras, tal y como definió Bruno Ernst, uno de sus biógrafo, permite clasificarlas básicamente en tres temas y diversas categorías:

• La estructura del espacio – incluyendo paisajes, compenetración de mundo y cuerpos matemáticos.
• La estructura de la superficie – Metamorfosis, ciclos y aproximaciones al infinito.
• La proyección del espacio tridimensional en el plano – Representación pictórica tradicional, perspectiva y figuras imposibles.

Paul Klee

Paul Klee (Münchenbuchsee, Suiza, 18 de diciembre de 1879 - Muralto, Suiza, 29 de junio de 1940) fue un pintor alemán nacido en Suiza, que desarrolló su vida en Alemania, cuyo estilo varía entre el surrealismo, el expresionismo y la abstracción. Con una sensibilidad especial, este artista se educa primero en la música para después abandonarla y dedicarse a la pintura. Estudia en Munich, período durante el cual la influencia de Goya es notoria. En 1913 viaja a París y luego a Túnez, breve estancia definitiva para su pintura, sobre todo por la influencia que recibe de los paisajes y colores naturales de este lugar. Se anticipa al surrealismo, ya que en su obra proyecta la búsqueda por lo irracional y la abstracción, pero con claras evocaciones figurativas. Es muy personal en el trabajo con el color y las líneas y su premeditado dibujo infantilizado es la característica de su estilo. Abandona Alemania a causa del nazismo y se establece definitivamente en Suiza. Es profesor en varias ocasiones, primero en Weimar en la academia de la Bauhaus y luego en Düsseldorf. Entre las obras de Paul Klee destacan Homenaje a Picasso (1914), El puerto (Museo de Bellas Artes, Basilea), La aventura de una moza (Tate Gallery, Londres) y Lugar golpeado (1922, Kunst Museum, Berna).

Piet Mondrian

Amesfoort, Países Bajos, 1872 - Nueva York, 1944) Pintor holandés. Por educación y trayectoria vital, sus primeras obras participaron de la tradición paisajista holandesa y de su interés por los efectos lumínicos. En 1907, el conocimiento de la obra de los pintores postimpresionistas cambió por completo sus antiguas nociones sobre el color, cuyo tratamiento abordó a partir de entonces de manera mucho más audaz.Tras contemplar las primeras obras cubistas deBraque y Picasso, en 1912 decidió trasladarse a París y adaptar los preceptos del cubismo, interesado en reducir las formas individuales a una fórmula general. Aunque plásticamente su obra respetaba los principios cubistas, desde 1913 experimentó un claro avance hacia la abstracción que culminó en 1917 con el abandono definitivo del referente externo.

La Primera Guerra Mundial le hizo regresar a los Países Bajos, donde conoció a Theo van Doesburg. Junto a él y otros dos artistas (Van der Leck y Huszar), fundó la revista y movimiento De Stjil, desde los cuales defendieron el rechazo completo de la realidad circundante como referente de la obra y la reducción del lenguaje pictórico a sus elementos básicos. Este estilo, bautizado por el propio Mondrian como neoplasticismo, pretendía alcanzar la objetividad real liberando a la obra de arte de su dependencia de la percepción individual momentánea y del temperamento del artista.Tras residir varios años en París y Londres, en 1940 se trasladó a Nueva York, donde su obra se vio influida por el dinamismo de la vida urbana y por los ritmos de la música estadounidense, factores que implicaron una mayor atención a las posibilidades constructivas del color. Por influencia de la tradición puritana holandesa y de la Sociedad Teosófica, con la que estuvo en permanente contacto a lo largo de su vida, dio forma a un proyecto que se extendió más allá de lo pictórico hasta acabar por convertirse en una empresa ética: el arte como guía para la humanidad a través de la pureza y la claridad.

 

Raymond Loewy

Raymond Loewy (5 de noviembre de 1893 - 14 de julio de 1986) fue uno de los diseñadores industriales más conocidos del siglo XX. Nació en Francia, pero desarrolló casi toda su carrera profesional en los Estados Unidos, donde tuvo una influencia muy importante en incontables aspectos de la vida estadounidense. Adquirió la nacionalidad estadounidense en 1938. Cursó estudios en la Universidad de París y en la École de Lanneau, en la que se licenció en 1918 tras un paréntesis debido a su participación en la Primera Guerra Mundial. En 1919 se trasladó a Estados Unidos, donde trabajó para la revista Vogue. Posteriormente, en 1929, fundó su propia empresa de diseño, uno de cuyos productos, una nevera encargada por Sears, Roebuck and Co., fue un éxito de ventas y le supuso el primer premio en la Exposición Universal de París de 1937. En 1945 fundó, junto con otros cinco socios, la empresa Raymond Loewy Associates, que se convirtió, con el paso de los años, en la mayor firma mundial de diseño industrial. Entre sus obras cabe destacar el botellín de cristal de Coca-Cola, quizá su diseño más conocido, y el paquete de tabaco de Lucky Strike, entre otros muchos. A partir de 1960 trabajó para la Administración estadounidense, colaborando en el diseño del avión del presidente J. F. Kennedy y de los satélites Apollo y Skylab.

Saul Bass

Sus primeros trabajos en la meca del cine fueron la realización de carteles publicitarios para los films, aspecto que también revolucionó; enfrentándose con los conceptos establecidos que profesaban la "obligatoria" aparición de las fotos de los protagonistas en los afiches. Bass introdujo diseños abstractos transformando los simples carteles en una nueva forma de expresión artística.
En los cincuenta, Saul Bass & Associates Inc. era una exitosa empresa publicitaria, cuando recibe los primeros encargos para la realización de los "fondos" de los títulos de crédito de los films. En la preparación de su trabajo, Bass descubre que los títulos suelen tener ninguna relación con el posterior desarrollo del film, por lo que se "perdían" entre dos y tres minutos de metraje para el desarrollo de la historia.
A partir de Bass, como sostiene Eduardo Russo, "los títulos se convirtieron en una pequeña narración, abstracta o concreta, que intentaba metaforizar la historia a la que estaban introduciendo... Las secuencias de títulos comenzaron, a partir de allí, a integrarse con la ficción, a expresarla mediante un juego gráfico". 
La primera gran oportunidad para desarrolar sus teorías, aparecería en 1954 cuando el austríaco Otto Preminger le encarga la realización de los títulos de su musical Carmen Jones, cumpliendo éstos la función de obertura del film. Pero con la realización de los títulos de El hombre del brazo de oro del mismo Preminger, el nombre de Saul Bass comienza a resonar con fuerza dentro de Hollywood.
Posteriormente, trabajará con los más grandes directores: con Preminger trabajará en once oportunidades, Hitchcock (el story board de la famosa escena de la ducha en Psicosis es de su autoría; hasta algunos sostienen que la idea de la escena es suya), William Wyler, Stanley Kubrick, Stanley Kramer, Robert Wise, Martin Ritt, Mark Robson, entre otros.
Para Saul Bass, las imágenes "deben simbolizar y sintetizar la película entera en muy pocos 

minutos".

 

Tony Galindo

Toni Galindo nació el 21 de marzo de 1962. Fue autor de carteles para promocionar películas y para grandes festivales cinematográficos. Falleció en Barcelona  jueves 11 de mayo del 2006 .No se puede entender la imagen del cine español de los últimos diez años sin Toni Galindo, diseñador gráfico que ayer fallecía en Barcelona a la edad de 44 años. Bajo la firma de Art&Maña, nombre de la empresa que regentaba junto a su compañera Ana Obradors, Toni diseñó la imagen gráfica de grandes éxitos como Mar Adentro, La Gran Aventura de Mortadelo y Filemón o Los Otros. En su faceta como autor de carteles para festivales de cine diseñó para Sitges, Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián, Gijón o Manresa. Entre 1996 y 2001 se encargó de la imagen del Festival Internacional de Cine de San Sebastián (diseños con los que obtuvo dos premios Key Art, galardones que otorga la revista Hollywood Reporter); Tiempo después decide instalarse junto a Anna Obradors en Donostia; allí entran en contacto con el mundo del cine, primero con realizadores noveles como Santiago Segura, Alex de la Iglesia o Daniel Monzón, y después con diversos organismos e instituciones. Tras la firma de los carteles de La lengua asesina o Airbag, Art&Maña comienza a expandir sus actividades a toda la imagen comunicativa de una película: logotipos, carteles, pressbooks. En un mundo, el del cine, en el que la expresión "lo quiero para ayer" no es una forma de hablar, Toni Galindo era todo un lujo. No sólo hacía gala de una extraordinaria capacidad de trabajar a toda máquina, sino que siempre lo hacía bien y sin perder la sonrisa. Como buen miembro de la generación pop nacida en los 60, era todo un experto en diversa temática freak: consolas de videojuegos, Star Trek, Monty Python o La Hora Chanante.

Reid Miles

Reid Miles (1927 – 1993) fue un diseñador gráfico que trabajó en Nueva York en la primera mitad de los años 50 del siglo XX, fecha en que fue contratado por la editora de discos de jazz Blue Note para diseñar las portadas de sus álbumes.

El conocimiento y uso fotográfico de Miles le permitieron crear portadas sorprendentes, diferenciando su trabajo del resto de diseñadores. Su uso inteligente del color, ajustando sus diseños a las restricciones presupuestarias y a las dificultades económicas de un sello pequeño también le facilitaron la obtención de resultados impresionantes. Por último, el estilo tipográfico de Miles se convirtió en todo un sello de identidad de su trabajo. La combinación de estos elementos hice de Reid Miles un diseñador verdaderamente especial. Su legado no ha sido recuperado todavía, y ha influenciado e inspirado a generaciones de diseñadores. Miles "definió el estilo musical de la música jazz".

Banksy

Banksy es el pseudónimo de un prolífico artista del street art británico.

Se cree que nació en Yate, localidad cercana a Bristol, en 1974, pero los datos acerca de su identidad son inciertos y se desconocen detalles de su biografía. Según Tristan Manco, Banksy "nació en 1974 y creció en Bristol, Inglaterra. Hijo de un técnico de fotocopiadoras, se formó como carnicero pero se vio implicado en el graffiti durante el boom del aerosol en Bristol de finales de la década de 1980". Su trabajo, en su gran mayoría piezas satíricas sobre política, cultura pop, moralidad y etnias, combina escritura con graffiti con el uso de estarcidos con plantilla(conocidos generalmente como stencils, del inglés). Su arte urbano combina escritura con una técnica de estarcido muy distintiva, similar aBlek le Rat, quien empezó a trabajar con estarcidos en 1981 en París; y miembros de la banda de anarco-punk Crass, que mantuvieron una campaña en las instalaciones del metro de Londres a finales de la década de los setenta del siglo XX e inicios de los ochenta. Banksy reconoció la influencia de Blek diciendo "cada vez que creo que he pintado algo ligeramente original, me doy cuenta de que Blek le Rat lo hizo mejor, sólo que veinte años antes." Sus obras se han hecho populares al ser visibles en varias ciudades del mundo, especialmente en Londres.

 Información obtenidas de:

Wikipedia

Google imágenes

Internet

Beatriz Álvarez Martínez        4 D     11/12/12

Apuntes de diseño grafico

PINTURA RUPESTRE

Una pintura rupestre es todo dibujo o boceto prehistórico existente en algunas rocas y cavernas. El término «rupestre» deriva del latín rupestris, y éste de rupes (roca). De modo que, en un sentido estricto, rupestre haría referencia a cualquier actividad humana sobre las paredes de cavernas, covachas, abrigos rocosos e, incluso farallones obarrancos,entre otros. Desde este aspecto, es prácticamente imposible aislar las manifestaciones pictóricas de otras representaciones del arte prehistórico como los grabados, las esculturas y los petroglifos, grabados sobre piedra mediante percusión o erosión. Al estar protegidas de la erosión por la naturaleza del soporte, las pinturas rupestres han resistido el pasar de los siglos.

                                  

EL ARTE EGIPCIO

El arte egipcio es, indudablemente, la manifestación artística que más ha subyugado al hombre moderno.

La civilización egipcia no sólo creó una arquitectura, escultura y pintura de impresionante belleza, sino también toda una cultura que ha hecho soñar a investigadores, literatos y personas corrientes, donde se funde lo histórico, lo mítico y lo misterioso.

El arte egipcio es un arte que está muy relacionado con el medio en el que se desarrolla. Este medio influye en diferentes aspectos: por un lado el medio geográfico determina una cultura cerrada que hace un arte impermeable a influencias exteriores, que va a evolucionar poco y cuando lo va a hacer va a ser sobre sus propias formas debido a la falta de comunicación con el exterior.

Por otro lado, el medio va a determinar unos materiales que nos indican una despreocupación por la vida terrestre y un deseo de eternizar la moral del difunto y del dios, por lo que el arte muchas veces está en función de templos y tumbas. Esto está relacionado con los dos factores determinantes del arte que también vienen dados por el medio: la monarquía y la religión.

Así, el faraón (y los nobles) y los sacerdotes van a ser losprincipales clientes. Se trata de un arte aúlico y oficial, que se desarrolla en virtud de la religión fundamentalmente, y a ésta está vinculado el faraón. No es por tanto un arte autónomo.

El arte egipcio está siempre sometido a unas normas, por esto es muy semejante y monótono, tan homogéneo. Es un arte estereotipado en el que se valora más la precisión del acabado que la originalidad. Además, tienen un gran carácter simbólico y mágico.

http://www.arteespana.com/arteegipcio.htm

ARTS AND CRAFTS

El movimiento Arts and Crafts ("Artes y Oficios" o también "Artes y Artesanías") ¹ fue una escuela artística que surgió en Inglaterra a mediados del siglo XIX, y que se desarrolló en el Reino Unido ² y en los Estados Unidos ³ durante la segunda mitad del [siglo XIX] y en los comienzos del siglo XX. William Morris creó este movimiento, lenguaje o estilo como querais decirlo. Él acuñó el término y fue el miembro de los prerrafaelistas más interesado en la manualidad, retomar el modo de hacer de la edad media, huyendo de la revolución industrial. Tuvo una segunda generación alrededor de 1880 y 1900. ⁴

Detalle de un dibujo de William Morris y John Henry Dearle sobre una alfombra Bullerswood, c. 1889. Véase William Morris Textiles, de Linda Parry, Nueva York, Viking Press, 1983, ISBN 0-670-77074-4, pp. 91-97.

El Arts & Crafts se asocia sobre todo con la figura de William Morris,^5 6 artesano, impresor, diseñador, escritor, poeta, activista político y, en fin, hombre polifacético que se ocupó de la recuperación de artes y oficios medievales, renegando de las nacientes formas de producción en masa. Aparte de William Morris, sus principales impulsores fueron Charles Robert Ashbee, T. J. Cobden Sanderson, Walter Crane, Phoebe Anna Traquair, Herbert Tudor Buckland, Charles Rennie Mackintosh, Christopher Dresser, Edwin Lutyens, Ernest Gimson, Gustav Stickley, y los artistas del movimiento prerrafaelita.

El movimiento revalorizó los oficios medievales, en plena época victoriana, con lo cual reivindicó la primacía del ser humano sobre la máquina, con la filosofía de utilizar la tecnología industrial al servicio del hombre, pero potenciando la creatividad y el arte frente a la producción en serie. En lo expresivo se caracteriza por el uso de líneas serpenteadas y asimétricas, y constituyó sobre todo unarte decorativo.

El referido se trató de un movimiento estético reformista, que tuvo gran influencia sobre laarquitectura, las artes decorativas, y las artesanías británicas y norteamericanas, e incluso influyó en el diseño de jardines.

En los Estados Unidos se usan las denominaciones Arts and Crafts movement, American Craftsman, American Craftsman Style o Craftsman Style, para referirse al estilo arquitectónico y decorativo que predominó entre los períodos del Art Nouveau (el modernismo) y el Art Decó, es decir, aproximadamente entre 1910 y 1925. Sostenía que cada objeto debería tener o retomar algo del pasado, pero dándole un sentido elegante.

http://es.wikipedia.org/wiki/Arts_and_Crafts

LA BAUHAUS

Los antecedentes de la BAUHAUS se remontan al siglo XIX. Comienzan con las devastadoras consecuencias que la creciente industrialización, primero en Inglaterra y mas tarde también en Alemania, tuvo en las condiciones de vida y en la producción de los artesanos la clase obrera. 
El progreso tecnológico trajo consigo un cambio en las estructuras sociales, amplios sectores de la población se proletarizaron. Pero, de este modo se pudo racionalizar y abaratar la producción de bienes. Inglaterra se alzó en le siglo XIX como la potencia industrial mas prominente de Europa. En las grandes exposiciones universales, que desde 1851 exhibían los adelantos técnicos y culturales de las naciones, los ingleses estuvieron a la cabeza hasta bien entrados los noventas, siendo los indiscutibles vencedores.
Al mismo tiempo, los ingleses habían reformado, ya desde los años cincuenta, los procesos educativos para artesanos las Academias. Los alumnos tenían que diseñar por si mismos en lugar de copiar modelos dados. Mientras el movimiento de talleres de "Morris" representaba algo así como una utopía realizada, fuertes intereses económicos respaldaban la reforma educativa. Inglaterra quería mantener su liderazgo en el campo de las artes y oficios. En los años siguientes se fundaron numerosos "gremios de artesanos", que con frecuencia eran, además de gremios, comunas.
Lograr una cultura del pueblo y para el pueblo se convirtió en aquellos tiempos en el desafío de casi todos los movimientos culturales innovadores y apadrinó también la fundación de la Bauhaus.
Pero hasta la década de los noventa no ganó terreno en Alemania un segundo empuje reformador, importado de Inglaterra a través de Bélgica. Con él se introdujo el JUGENDSTIL (modernismo), que dominaría Europa Durante diez o quince años.

http://www.sitographics.com/conceptos/temas/estilos/bauhaus.html

Vasíli o Wassily Kandinsky

Vasíli o Wassily Kandinsky; Moscú, Rusia, 1866 - Neuilly-sur-Seine, 1944) Pintor de origen ruso, nacionalizado alemán y posteriormente francés. Kandinsky compaginó sus estudios de derecho y economía con clases de dibujo y pintura. Al tiempo que se interesaba por la cultura primitiva y las manifestaciones artísticas populares rusas, muy especialmente por el arte propio de la región de Volodga, rico en ornamentos, también descubrió la obra de Rembrandt y Monet.

Cuando cumplió los treinta años, Kandinsky abandonó la docencia y fue a estudiar pintura a Munich, renunciando a un porvenir académico ya consolidado. En esta ciudad asistió a las clases de F. Stuck y en ellas conoció a Paul Klee, con el que mantendría una sincera y prolongada amistad. Su interés por el color está presente desde el comienzo de su carrera, y se puede apreciar en sus primeras pinturas la influencia del postimpresionismo, el fauvismo y el Jugendstil alemán.

Entre 1902 y 1907 Kandinsky realizó diferentes viajes a Francia, Países Bajos, Túnez, Italia y Rusia, para instalarse finalmente en Murnau, donde pintó una serie de paisajes alpinos entre los años 1908 y 1910. Tal como narra él mismo en su biografía, por entonces se dio cuenta de que la representación del objeto en sus pinturas era secundaria e incluso perjudicial y que la belleza de sus obras residía en la riqueza cromática y la simplificación formal.

Este descubrimiento le condujo a una experimentación continuada que culminó, a finales de 1910, con la conquista definitiva de la abstracción. Kandinsky refundió la libertad cromática de los fauvistas con la exteriorización del impulso vivencial del artista propuesto por los expresionistas alemanes de la órbita de Dresde, en una especie de síntesis teñida de lirismo, espiritualidad y una profunda fascinación por la naturaleza y sus formas.

Entre 1910 y 1914 Kandinsky pintó numerosas obras que agrupó en tres categorías: las impresiones, inspiradas en la naturaleza; las improvisaciones, expresión de emociones interiores; y las composiciones, que aunaban lo intuitivo con el más exigente rigor compositivo. Estos cuadros se caracterizan por la articulación de gruesas líneas negras con vivos colores y en ellos se percibe todavía un poco la presencia de la realidad.

Ludwig Mies van der Roh

e nació el 27 de marzo de 1886 en la ciudad de Aquisgrán (Alemania), hijo de Michael y Amalie (Rohe), como cuarto hijo de una familia católica. En 1900 empezó a trabajar en el taller de escultura de piedras de su padre y en 1905 se trasladó a Berlín para colaborar en el estudio de arquitectura de Bruno Paul.

En 1907 realiza su primera obra, la casa Riehl. De 1908 a 1911 trabajó en el despacho de Peter Behrens, del cual, Mies desarrolló un estilo arquitectónico basado en técnicas estructurales avanzadas y en el clasicismo prusiano. También realizó diseños innovadores con acero y vidrio. En 1911 dirigió la construcción de la embajada alemana en San Petersburgo. En ese mismo año se mudó a La Haya y planificó una casa de campo para el matrimonio Kröller-Müller.

m.c. escher

No fue precisamente un estudiante brillante, y sólo llegó a destacar en las clases de dibujo. En 1919 y bajo presión paterna empieza los estudios de arquitectura en la Escuela de Arquitectura y Artes Decorativas de Haarlem, estudios que abandonó poco después para pasar como discípulo de un profesor de artes gráficas, Jessurum de Mesquitas. Adquirió unos buenos conocimientos básicos de dibujo, y destacó sobremanera en la técnica de grabado en madera, la cual llegó a dominar con gran maestría.

Entre 1922 y 1935 se traslada a Italia donde realiza diversos bocetos y grabados principalmente de temas paisajistas. Abandona Italia debido al clima político de aquellas fechas, trasladándose a Suiza, y pasó algunos años allí, cuyo clima le resultó muy desagradable y poco inspirador. Añora el sur de Italia y lo frecuenta repetidas veces. También viaja a España, y en particular a Granada. Visita dos veces la Alhambra, la segunda vez de forma más detenida, copiando numerosos motivos ornamentales. Lo que aprendió allí tendría fuertes influencias en muchos de sus trabajos, especialmente en los relacionados con la partición regular del plano y el uso de patrones que rellenan el espacio sin dejar ningún hueco.

En 1941 se muda a Ladberd del Roso, Países Bajos, después de una estancia difícil en Bélgica (era la 2ª Guerra Mundial). Parece que debido al habitual mal tiempo de esa región, donde los días soleados se consideran una bendición, es por lo que abandona los motivos paisajísticos como modelos y se centra más en su propia mente, encontrando en ella una potentísima fuente de inspiración. Hasta 1951 vivió básicamente dependiendo económicamente de sus padres. A partir de entonces fue cuando comenzó a vender sus grabados y obtener un buen dinero por ellos. Esto le permitió vivir sus últimos años con una economía personal excelente. Generalmente hacía copias de las litografías y grabados por encargo. También hizo por encargo diseños de sellos, portadas de libros, y algunas esculturas en marfil y madera. En cierto modo le resulta gratificante y a la vez fácil, y se admiraba de tener en su taller una especie de «máquina de fabricar billetes» reproduciendo sus propias obras. Normalmente no usaba elementos de obras anteriores en las nuevas, excepto en los encargos especiales. Hacía, por ejemplo, esculturas en madera basadas en algunos de sus dibujos, y para algunas peticiones especiales reciclaba parte de las ideas y elementos de obras anteriores.Quizás por ello en este período su producción sea tan fructífera y regular, y sólo se verá interrumpida por la operación que sufrió en 1962, consecuencia de su debilitada salud. En 1969 con 71 años realiza su grabado "Serpientes" donde demuestra sus facultades a pesar de su avanzada edad.

En 1970 se traslada a la Casa Rosa Spier de Laren, al norte de los Países Bajos, donde los artistas podían tener estudio propio. En esa ciudad fallece dos años más tarde, el 27 de marzo de 1972 a la edad de 74 años.

Paul klee

Klee nació en Münchenbuchsee, cerca de Berna, Suiza, en una familia de músicos, de padre alemán y madre suiza. De su padre obtuvo la ciudadanía alemana, que usaría toda su vida, dado que Suiza se negó a darle ciudadanía durante su exilio en ese país durante la persecución nazi. Estudió arte en Múnich con Heinrich Knirr y Franz von Stuck. A sus diecisiete años pintó la tinta "Mi Habitación" (1896), mostrada a continuación:

Esta Pieza se conserva ahora en el acervo de la fundación Klee

Klee trabajaba en óleo, acuarela, tinta y otros materiales, generalmente combinándolos en un solo trabajo. Sus cuadros frecuentemente aluden a la poesía, la música y los sueños, y a veces incluyen palabras o notas musicales.

Al regresar de un viaje a Italia, se asentó en Múnich, donde conoció a Vasili Kandinski, Franz Marc y otras figuras de vanguardia, y se asoció alBlaue Reiter.

 http://es.wikipedia.org/wiki/Paul_Klee

Piet Mondrian

Pintor holandés que llevó el arte abstracto hasta sus últimas consecuencias. Por medio de una simplificación radical, tanto en la composición como en el colorido, intentaba exponer los principios básicos que subyacen a la apariencia. Nació en Amersfoort (Holanda) el 7 de marzo de 1872 y su nombre verdadero era Pieter Cornelis Mondriaan. Decidió emprender la carrera artística a pesar de la oposición familiar y estudió en la Academia de Bellas Artes de Amsterdam. Sus primeras obras, hasta 1907, eran paisajes serenos, pintados en grises delicados, malvas y verdes oscuros. En 1908, bajo la influencia del pintor neerlandés Jan Toorop, comenzó a experimentar con colores más brillantes, fue el punto de partida de sus intentos por trascender la naturaleza. Se trasladó a París en 1911, donde adoptó el estilo cubista y realizó series analíticas como Árboles (1912-1913) y Andamios (1912-1914). Poco a poco se fue alejando del seminaturalismo para internarse en la abstracción y llegar por fin a un estilo en el que se autolimitó a pintar con finos trazos verticales y horizontales. En 1917 junto con su compatriota, el pintor Theo van Doesburg fundó la revista De Stijl, en la que Mondrian desarrolló su teoría sobre las nuevas formas artísticas que denominó neoplasticismo. Sostenía que el arte no debía implicarse en la reproducción de imágenes de objetos reales, sino expresar únicamente lo absoluto y universal que se oculta tras la realidad. Rechazaba las cualidades sensoriales de textura, superficie y color y redujo su paleta a los colores primarios. Su creencia de que un lienzo, es decir una superficie plana, sólo debe contener elementos planos, implicaba la eliminación de toda línea curva y admitió únicamente las líneas rectas y los ángulos rectos. La aplicación de sus teorías le condujo a realizar obras como Composición en rojo, amarillo y azul (1921, Gemeentemuseum), en la que la pintura, compuesta sólo por unas cuantas líneas y algunos bloques de color bien equilibrados, crea un efecto monumental a pesar de la escasez de los medios, voluntariamente limitados, que emplea. Cuando se trasladó a Nueva York en 1940, su estilo había logrado una mayor libertad y un ritmo más vivo. Abandonó la severidad de las líneas en negro para yuxtaponer áreas de colores brillantes, como puede verse claramente en la última obra que dejó acabada, Broadway Boogie-Woogie (1942-1943, Museo de Arte Moderno, Nueva York, MOMA). Mondrian ha sido uno de los artistas de mayor repercusión en el siglo XX. Sus teorías sobre la abstracción y la simplicidad no sólo alteraron el curso de la pintura, sino que tuvieron una profunda influencia en la arquitectura, el diseño industrial y las artes gráficas. Murió el 1 de febrero de 1944 en Nueva York.  

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Raymond Loewy

Loewy, nació en París en 1893, hijo de Maximiliano Loewy, periodista vienés, y su esposa francesa, Marie Labalme. Un logro temprano fue el diseño de un exitoso modelo de avión , que luego ganó la Gordon Bennett Copa en 1908. Al año siguiente, fue la venta del avión, llamado el Ayrel . Sirvió en el ejército francés durante la Primera Guerra Mundial, alcanzando el rango de capitán. Loewy fue herido en combate y recibió la Cruz de Guerra .Abordó un barco a América en 1919 con sólo su uniforme de oficial francés y $ 50 en el bolsillo. ^{[ cita requerida ]}

En los primeros años Loewy en los EE.UU., vivió en Nueva York y encontró trabajo como diseñador de ventana para grandes almacenes , incluyendoMacy , de Wanamaker y Saks , además de trabajar como una moda ilustrador para la revista Vogue y Harpers Bazaar . En 1929 recibió su primer diseño industrial comisión para contemporizar el aspecto de una máquina duplicadora de Gestetner . Otras comisiones siguieron, incluyendo el trabajo para Westinghouse , la empresa Hupp Motor (el Hupmobile estilo), y el estilo del refrigerador Coldspot ^[ 2 ] para Sears-Roebuck . Era este producto que estableció su reputación como diseñador industrial. Abrió una oficina en Londres a mediados de la década de 1930. Sigue siendo activa. ^[ 3 ]

 http://en.wikipedia.org/wiki/Raymond_Loewy

Saul Bass (8 de mayo de 1920 - 25 de abril de 1996)

 fue un reconocido diseñador gráfico estadounidense, mejor conocido por su trabajo en la industria cinematográfica y en el diseño de algunas de las identidades corporativas más importantes de Estados Unidos.

Saul Bass nació en el Bronx, en 1920. Desde pequeño fue muy creativo y pasaba muchas horas del día dibujando. Bass estudió en el estudio de Artes League en Nueva York y después en el Colegio de Brooklyn. En éste último fue su maestro Gyorgy Kepes, un diseñador gráfico húngaro que había trabajado con László Moholy-Nagy en Berlín antes de emigrar a los Estados Unidos. Kepes fue el que introdujo a Saul Bass al estilo Bauhaus de Moholy y al constructivismo ruso.

Después de trabajar en varias agencias de diseño de Nueva York, Bass trabajó de forma independiente como diseñador gráfico (o “artista comercial” como comúnmente se les llamaba). Decidió mudarse a Los Ángeles en 1946, debido a que en Nueva York encontraba muchos impedimentos para desarrollarse creativamente. Abrió su propio estudio en 1950, dedicado principalmente a la publicidad, hasta que Otto Preminger lo invitó a diseñar el póster para su película Carmen Jones (1954). A éste le impresionó tanto el trabajo de Bass, que le pidió que diseñara también la secuencia de los títulos de la película. Luego siguió el diseño de títulos de las películas The Big Knife de Robert Aldrich y The Seven Year Itch (La Tentación Vive Arriba) de Billy Wilder. Pero fue en el siguiente proyecto de Preminger, The Man with the Golden Arm (El Hombre del Brazo de Oro), en donde Bass se reveló como un maestro del diseño de títulos de crédito de películas.

Bass siguió su camino en el mundo del diseño en el cine. Martin Scorsese lo reconocía ampliamente. Colaboró con Alfred Hitchcock y hasta participó en la famosa película Psicosis durante la escena de la ducha, de la que se dice que él fue el responsable del Story board, aunque Hitchcock nunca lo reconoció. Junto con su segunda esposa, Elaine, diseñó títulos para otros directores. Luego dirigió varios cortometrajes, como The Searching Eye (1964), From Here to There (1964) y Why Man Creates (1968) con la que ganó un Óscar. Finalmente realizó una película como director en 1974, llamada Phase IV.

Después regresó al diseño gráfico comercial. Entre los más exitosos están los emblemas de AT&T, United Airlines, Minolta, Bell, y Warner Communications. Diseñó también el póster para los Juegos Olímpicos de Los Ángeles en 1984.

Hasta el final de su vida siguió colaborando con su ídolo Martin Scorsese en Goodfellas, Cape Fear (El Cabo del Miedo), The Age of Innocence (La Edad de la Inocencia) y Casino en los años 90.

Saul Bass falleció en 1996.

                                                       

es.wikipedia.org/wiki/Saul_Bass

Reid Miles

Desde 1939, año en el que un joven diseñador de 23 años creara la primera portada ilustrada para Columbia, la industria discográfica se dio cuenta de la importancia de cada aspecto de un disco. Desde la música hasta el packaging, pasando por la fotografía y el diseño de portadas, cualquier detalle por más nimio que fuese, iba a ser crucial si un sello quería tener éxito. La repercusión tuvo tal respuesta entre el público que todos los sellos discográficos empezaron a contratar diseñadores gráficos, fotógrafos y directores de arte.

Posiblemente el más influyente e innovador de todos fue el principal responsable del diseño de Blue Note entre 1956 y 1967: Reid Miles. Igual que Miles Davis redefinió el estilo musical de la música jazz, Reid Miles tiene el honor de haber creado una nueva perspectiva en el diseño con un trabajo tan estilizado y reconocible como el mismísimo timbre de la trompeta de Davis o la inconfundible voz de Billie Holiday. El uso de bitonos, el reencuadre, la selección y manipulación fotográfica (durante tiempo junto a Francis Wolff) y sobre todo la inagotable creatividad tipográfica conviertieron a Reid en un adelantado a su tiempo. Con la venta de Blue Note en 1971, Miles se retiró del diseño gráfico para comenzar una nueva carrera de fotógrafo en Los Ángeles; una carrera que le acompañaría hasta su muerte en 1993.

Acompaño la siguiente recopilación de sus trabajos con el vídeo homenaje que el director Bante rindió al maestro animando algunos de sus sorprendentes, simples y atemporales diseños.

retroriff.com/blog/reid-miles/

Tony Galindo

nació el 21 de marzo de 1962. Fue autor

de carteles para promocionar películas y para grandes festivales cinematográficos. Falleció en Barcelona ayer jueves 11 de mayo.No se puede entender la imagen del cine español de los últimos diez años sin Toni Galindo, diseñador gráfico que ayer fallecía en Barcelona a la edad de 44 años. Bajo la firma de Art&Maña, nombre de la empresa que regentaba junto a su compañera Ana Obradors, Toni diseñó la imagen gráfica de grandes éxitos como Mar Adentro, La Gran Aventura de Mortadelo y Filemón o Los Otros. En su faceta como autor de carteles para festivales de cine diseñó para Sitges, Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián, Gijón o Manresa. Entre 1996 y 2001 se encargó de la imagen del Festival Internacional de Cine de San Sebastián (diseños con los que obtuvo dos premios Key Art, galardones que otorga la revista Hollywood Reporter); la extraña casualidad ha querido que precisamente hoy se presente el cartel de la próxima edición de dicho Festival, también firmado por Art&Maña.

Toni Galindo, dibujante autodidacta, era licenciado en Ciencias de la Información, primero en la especialidad de Periodismo y después en la de Publicidad, aunque nunca dejó de lado su interés por otras artes como la escultura o el cómic. Tras colaborar como dibujante en el diarioRegió7 trabajó como diseñador freelance, también de forma autodidacta, para varias empresas. Tiempo después decide instalarse junto a Anna Obradors en Donostia; allí entran en contacto con el mundo del cine, primero con realizadores noveles como Santiago Segura, Alex de la Iglesia o Daniel Monzón, y después con diversos organismos e instituciones. Tras la firma de los carteles de La lengua asesina o Airbag, Art&Maña comienza a expandir sus actividades a toda la imagen comunicativa de una película: logotipos, carteles, pressbooks

[puntual publicación sobre una película que se edita para informar a la prensa], páginas web, regalos promocionales o cualquier soporte utilizado para anunciar y difundir un largometraje. Directores como Montxo Armendáriz, con quien trabajó en tres títulos, Alejandro Amenábar, Javier Fesser o Julio Médem saben del buen hacer de Art&Maña.

En un mundo, el del cine, en el que la expresión "lo quiero para ayer" no es una forma de hablar, Toni Galindo era todo un lujo. No sólo hacía gala de una extraordinaria capacidad de trabajar a toda máquina, sino que siempre lo hacía bien y sin perder la sonrisa. Como buen miembro de la generación pop nacida en los 60, era todo un experto en diversa temática freak: consolas de videojuegos, Star Trek, Monty Python o La Hora Chanante.-

http://elpais.com/diario/2006/05/12/agenda/1147384807_850215.html

 Bansky

Se cree que nació en Yate, localidad cercana a Bristol, en 1974, pero los datos acerca de su identidad son inciertos y se desconocen detalles de su biografía. Según Tristan Manco, Banksy "nació en 1974 y creció en Bristol, Inglaterra. Hijo de un técnico de fotocopiadoras, se formó como carnicero pero se vio implicado en el graffiti durante el boom del aerosol en Bristol de finales de la década de 1980". Su trabajo, en su gran mayoría piezas satíricas sobre política, cultura pop, moralidad y etnias, combina escritura con graffiti con el uso de estarcidos con plantilla(conocidos generalmente como stencils, del inglés). Su arte urbano combina escritura con una técnica de estarcido muy distintiva, similar aBlek le Rat, quien empezó a trabajar con estarcidos en 1981 en París; y miembros de la banda de anarco-punk Crass, que mantuvieron una campaña en las instalaciones del metro de Londres a finales de la década de los setenta del siglo XX e inicios de los ochenta. Banksy reconoció la influencia de Blek diciendo "cada vez que creo que he pintado algo ligeramente original, me doy cuenta de que Blek le Rat lo hizo mejor, sólo que veinte años antes."¹ Sus obras se han hecho populares al ser visibles en varias ciudades del mundo, especialmente en Londres.

Recientemente se publicó el libro “Freedom Through Football: The Story Of The Easton Cowboys & Cowgirls” en donde se confirma la primera fotografía tomada a Banksy mientras realizaba un graffiti en Chiapas, México en 2001.

http://es.wikipedia.org/wiki/Banksy

MARIA GARCIA VALLAURE 4º D